In the Air

Plus que dans les cieux, pourtant abondamment filmés en autant de chromos signifiants (toutes ces vues graphiques et plongeantes sur l'anonyme immensité des villes), c'est plutôt sur l'air du temps que flotte (haut) le dernier film de Jason Reitman. La Crise est là et la fonction d'Effaceur, de Terminator du licenciement va de pair, de légitime logique. Rien à redire au fond de ce plot, plutôt intéressant quoique vite pris par le petit bout de la lorgnette existentielle et peu par l'horreur cyniquement évidente de ses procédés* (le réalisateur aussi y va de curieuses combines en faisant jouer les licenciés par d'authentiques gens mis au chômage de cette manière !?). L'autre air du temps (indémodable) est bien sûr celui de la middle life crisis (sujet de prédilection des sundanceries à audience !) que le scénario fait achopper au premier thème, les doutes du flying lonesome cowboy étant ici induits par l'intervention de deux apparitions féminines (un peu à la manière des anges Felliniens d'Il Bidone), virtuelles ou à peine matérielles finalement.
Ces deux airs pris en compte et une fois installé à bord, chacun pourra regretter que nombre de choses ne soient (en toute logique ?) que survolées, au fond, et qu'aucun des thèmes égrenés ne soient véritablement traité, sous couvert de licence poétique indé (de faciles petites séquences punchy et symboliques émaillent le titre (les tricks d'hôtels, d'aéroports, de rent-a-car) et quelques tentations véristes-documentaristes, font office d'arbres dissimulant soigneusement la forêt dans laquelle le script refuse farouchement d'entrer).
Mais on remerciera le peu de résolution du scénariste à ne pas aller plus avant non plus dans la thèse family-power (un épilogue mitigé nous faisant éviter la noyade en guimauve) qui finit par nimber le titre comme autant de nuages discutablement ouateux et mélancoliques.

Mais si à ne prendre aucun point à bras-le-corps et demeurer ainsi dans la salle d'embarquement, on évite le pire... on doit se passer aussi, hélas, du meilleur.

Jason Reitman (2010)

* préférer à ce titre les remarquables Ressources Humaines (Cantet, 99)

ou Violence des Échanges en Milieu Tempéré (Moutout, 04)

Sacré Graal !

Après le CV cinoche pour marché US que constituait le florilège Pataquesse, le Monty Python prend himself le licou de sa destinée cinématographique (soutenu par des capitaux rock, de Led Zep' au Pink Floyd plaçant là la money de Dark Side of the Moon) et enfourche ses... noix de coco pour relire la légende arthurienne façon nonsense.

Le festival de moments cultes (impression appuyée par le mode sketcheux du métrage) s'avère inénarrable (quoique régulièrement et en tous lieux narré) dans ce film sans teu ni quête, et offre des minutes de bravoure à chacun des membres de la frappadingue troupe.

On manque certes, froggies grossiers, le coche d'un certain nombre de tricks reposant sur une brittanitude qui nous échappe (understatment, subtilités des accents et variétés des types de discours,...), mais on sait, nonobstant notre francaouinerie, goûter le reste, tout ce réjouissant reste (absurde, décalage, anachronisme, verbiage, mauvais goût, travestissements, parodies, saillies contre les vindictes populaires et les génuflexions serviles, ..., autant d'iconoclasteries de tous les instants) mis au point lors du défunt laboratoire bibici-esque du Flying Circus, et savourer même jusqu'aux effets cache-misère (l'absence de chevaux faite profession de foi comique, la fin précipitée).

Attentifs, on appréciera aussi le soin plastique déjà rigoureux des deux Terry de réalisateurs (Jones et Gilliam) autant que l'assise solidement historique des différents tableaux (les Pythons ne sont en effet – ouf ! - ni des Enfants de la Télé ni même du Cinéma*, mais d'authentiques rats de bibliothèque !).

Terry Jones & Terry Gilliam (1974)

* Allégation pas tout à fait exacte:

les gaillards étaient rompus au différents shows anglais

tels The Week That Was et The Frost Report (auxquels ils collaborèrent même)

et avaient une solide culture radiophonique,

biberonnés au Goon Show de Peter Sellers qu'ils étaient tous...

La revue théâtrale Beyond the Fringe de Peter Cook et Dudley Moore

autant que le Q5 de Spike Milligan, show concurrent au Flying Circus,

les inspirèrent aussi grandement.

La Rumeur

Le bruit court, nous dit-on, que La Rumeur ne jouit pas véritablement des audaces thématiques qu'on lui prête. Ce n'est pas loin d'être faux (le saphisme n'y est touché – in extremis- que du bout du doigt, et encore: vendu comme une pathologique déviance) sans pour autant être exact (se replacer dans l'époque est une perpective à ne pas négliger).

La vigueur qui, en revanche, ne saurait être discutée, c'est le moderne de la mise en forme, rien moins que brillante. Loin de l'académisme massif d'un Ben Hur (auquel on peut penser dés lors qu'on évoque ce besogneux artisan de Wyler), le titre fait preuve d'une multitude de témérités formelles d'une confondante efficacité (profondeur de champs, jumps cuts, décadrages, etc.) et au signifiant tantôt parmi les plus élégants (le film évite avec grâce et finesse bien des écueils mélodramatiques et pathétiques), tantôt les plus lyriques.

Malgré le théseux du sujet et sa persistance thématique chez le réalisateur (qui avait déjà adapté la pièce originelle en 36), nonobstant la malice évidente du casting (les wilderiennes Hepburn et MacLaine sortent respectivement des cartons emblématiques (et glamorous) Breakfats at Tiffany's et La Garçonnière) et le cabotinage d'enfants-acteurs mal canalisés (ouh la pénible Karen Balkin !), le titre se distingue par sa continuelle élégance, sa nette marque européenne (un découpage et une grammaire technique digne des meilleures nouvelles vagues, fussentelles françaises ou italiennes) et son inaltérable intensité.

William Wyler (1961)

Voyage en Italie

Froidement et sans colère (on n'est pas, malgré de nombreuses scènes au volant, chez le Pialat de Nous Ne Vieillirons pas Ensemble !), un couple se délite, se quitte sous nos yeux.
Les vestiges antiques de l'Italie, sereins et immortels, et les italiens eux même, bordéliques et truculents, symbolisent le nœud se défaisant, tristement mais tranquillement.
On a tout dit de ce film, bouleversant le langage cinématographique comme La Règle du Jeu en son temps, préfigurant la Nouvelle Vague, les Nouvelles Vagues: que son néo-réalisme (Naples est filmée à son insu, pas de dramatisation, jamais, nulle part avant le dernier quart d'heure (le meilleur !)) associé à l'étude psychologique envoyait tant le bois, et tout le bataclan cinéphileux.
N'en demeure pas moins un certain ennui, une contagieuse errance poliment convenue, une petite visite gui(n)dée, bourgeoise et pleine d'une maturité faiblement communicante, malgré pourtant (my) Master George Sanders et l'Ingrid Bergman.
Car on préfèrera, en ces lieux, un symbolisme plus lourd, plus tordu, empestant un peu la cocotte, une outrance inverse au documentaire. Du montage, du plan, du second degré et du mensonge en juste mesure... (Dario plus que Roberto !)
Ou s'il faut conserver le hiératisme vériste, une tension plus forte, une nervosité plus implacable, je sais pas moi.
Autant dire en conclusion que nous ne sommes pas ici, de Roberto à Rosetta, fait pour le Réalisme à la papa.
Roberto Rossellini (1953)