ABORDAGES, le Cinéma scandaleusement pris par la quille.

Anthropophagous

2012-01-27T13:00:00.001+01:00

id., 1979.

Famousserie gore/bis célèbre pour ses (éparses mais efficaces) outrances foetuso-viscérales, que cette œuvre aussi opportuniste (car bien sûr, ça plagie sévère !) et cousue d'intestins rouges, mais que transcendent toutefois un authentique malsain (hellène d'avant la dette), une ambiance ouvertement crapoteuse et dégénérée, issus de la farouche volonté d'un homme (George Eastman, acteur, scénariste et producteur du film) décidé à peser alors de toutes ses entrailles sur une époque et un genre (complaisante intention atteinte (?) par des manières au salingue diapason (!)) et se faire, de la sorte, plus Fulcien que Fulci lui-même !,

par Joe d'Amato.

Viens chez Moi, J'Habite chez une Copine

2012-01-25T20:30:00.002+01:00

id., 1981.

Buddy Movie à la française, caféthéâtro-bédéphile, dont la recette (ingrédients, ustensiles et cuisiniers) ne finira pas, une décennie durant, de se voir épuisée,

par Patrice Leconte.

Short Circuit

2012-01-25T18:00:00.009+01:00

id., 1986.

Tout à la fois d'un opportunisme post-ET éhonté et indubitable source visuelle pour le robot pixaro-écolo que fut, depuis, Wall-E, ce pur produit Amblin-like (les modus d'apprentissages (junk culture, comics & TV en tête) sont ceux de l'alien/padaung de Spielberg ou du Gizmo de Columbus/Dante) évoquant -plus que travaillant vraiment- les thèmes de l'intelligence artificielle et de l'auto-apprentissage, se voit tôt plombé par une dynamique familiale de comédie déterministe* (punchlines épuisantes, caractérisations pénibles** et acting au diapason***) et une dramaturgie quasi simpliste que naïve, débarrassée de toute gravité ou noirceur (économie que ne faisait pas WarGames !)...

par John Badham.

* l'usage dune part du casting de Police Academy
illustrant cette chiante réalité.

** seul le personnage du patron de la société d'engeneering offre
un tant soit peu d’ambiguïté dans ses motivations et réactions.

*** relire à ce titre la note attristée de Sonic Eric
sur la composition hystéro d'Ally Sheedy.

NB: film présenté ce soir 21 heures par Dominique Séguéla, ingénieur CNES, à La Cinémathèque de Toulouse dans le cadre de la programmation bimestrielle L'Odyssée de l'Espace.

Marée Nocturne

2012-01-24T09:00:00.001+01:00

Night Tide, 1961.

L'amateur sagace (qualité essentielle à icelui, sans quoi à quoi bon se prétendre amateur ?) ne manquera pas de renifler les influences à divers titres des sieurs Lewton (des allures ouvertement catpipoleuses derrière le propos mermaidesque) et Corman (de l'économie à la citation finale (Poe, of course) en passant par le traitement cheapy/indie*) et de, faute de mieux, s'en satisfaire. L'esthète, bienheureux, appréciera quant à lui en supplément une mise en forme (et un contexte post-Browning) qui pourra évoquer (pourquoi pas ?) la psyché de Herk Harvey, tant le contexte beachy/fairground qui nimbe la chose préfigure (en moins gothique toutefois) le contexte de Carnival of Souls...,

par Curtis Harrington.

* on remarquera combien l'affiche originale,

loin du DVD Wild Side qui sort le 25 janvier,

proposait un artwork proche des manières au Roger !

Capitaine Kidd

2012-01-23T14:00:00.002+01:00

Captain Kidd, 1945.

Ne seraient ces dernières minutes, expéditives, quasi-elliptiques (au point qu'on croit une bobine égarée !), désappointantes à dire vrai, cet ultime film du réalisateur de La Tour de Londres et du réputé Fils de Frankenstein (si, si !), brille longtemps par son casting certes (quoique Scott soit un peu vieux pour le rôle) mais surtout par la modernité régulière de la mise en scène et l'audace de sa manière: une sorte de film de pirates à l'envers, une façon de négatif au swashbuckler (la piraterie est ici affaire d'escroquerie et d'abus de confiance, rarement d'assauts le coutelas entre les dents).

Cela en fait, de fait, plus qu'une curiosité.

par Rowland V.Lee.

Curiosité que Wild Side Vidéo peut satisfaire

puisque la rareté fait partie de

la nouvelle salve des Vintage Classics

à sortir le 25 janvier !

La Mouche

2012-01-21T17:52:00.004+01:00

The Fly, 1986.

Suite de la reprise des invitations mariaquesques et l'incontournable, l'indéfectible, l'indispensable Sonic Eric (les blogs du bonhomme ici et là) pour prendre aujourd'hui la plume à notre place. L'objet du délit ? Le fort et légitime culte The Fly, de Cronenberg, premier alors d'entre les titres du canadien à intéresser hors ghetto du "Genre". Nous étions en 1987, voilà 25 ans: plus que 13 années avant que David ne préside le Festival de Cannes et que chacun de ses films soit discuté comme un Eastwood !

So, let's go Sonic: fly me to the Mouche !

Comme l’admet Stuart Cornfeld, le producteur de La mouche dans les suppléments de l’édition DVD, ce qu’il y a de fascinant dans le travail de Cronenberg sur ce film, c’est la façon dont progressivement, insensiblement, le protagoniste (le savant Seth Brundle) devient l’antagoniste (l’insecte destructeur), perturbant en profondeur les schémas narratifs habituels.

Dans la première adaptation de la nouvelle de George Langelaan par Kurt Neumann (1958), le savant était relégué au second plan et le spectateur devait se contenter du point de vue de sa femme, une parfaite femme d’intérieur, dépourvue d’aspérités. Et c’était très frustrant d’autant que les expériences menées par son scientifique de mari aboutissaient à un dédoublement guère convaincant (une grosse tête de mouche sur un corps d’homme et un visage d’homme greffé sur un corps d’insecte). En refusant la métamorphose (mais la censure ne l’aurait sans doute pas permise), le scénario se privait de tout potentiel anxiogène, potentiel que Cronenberg presque trente ans plus tard saurait formidablement exploiter.

Même si, à l’adolescence, le cinéaste canadien éprouvait beaucoup d’intérêt pour les invertébrés, on sent bien que ce qui le passionne ici, ce n’est pas l’insecte mais les mutations du corps de Seth, métaphore de toutes les dégénérescences (la maladie comme le vieillissement) mais aussi vecteurs de renaissance (Après sa téléportation, Seth voit sa force sexuelle décupler et la fatigue disparaître). Cronenberg traite avant tout de l’humain, de l’amour humain jusque dans ses aspects les plus angoissants (« m’aimeras-tu encore à l’état de larve ? ») et j’aime à voir dans l’acte final de Veronica comme un geste d’euthanasie pour mettre fin aux souffrances de son amant mutant.

Dans une scène qui fut coupée au montage, Seth s’acharnait à l’aide d’un tuyau en acier sur le fruit d’une expérience ratée, une créature hybride, mi-chat, mi-babouin. Stuart Cornfeld incita Cronenberg à retirer cette scène pour ne pas que le public se détourne définitivement du personnage de Seth. On peut regretter cette mutilation tant elle s’insérait parfaitement dans le projet de l’auteur de Faux Semblants de dessiner une figure de scientifique dans la lignée du docteur Jekyll plus que de Louis Pasteur.

En l’état, le film demeure un époustouflant chef d’œuvre, défiant le bon goût (le film reste à déconseiller aux femmes enceintes), pour mieux saisir ce qui fait notre destin commun, ce combat perdu d’avance pour rester humain jusqu’au bout,

par David Cronenberg.

Pluie

2012-01-20T10:00:00.005+01:00

Rain, 1932.

Nul ne doutait que le Seven de Fincher n'était pas le premier film à faire de la pluie l'un des personnages même de son oeuvre.

Et s'il en demeure malgré tout de plus crédules parmi nos lecteurs, qu'ils prennent pour programmatique le titre de cette adaptation de Maugham (où l'on retrouve l'exotisme frotté à la rigueur anglo-saxonne qui traversait The Moon and Six Pences).

Les plus visuels pourront s'en tenir à la jaquette du DVD Wild Side, tout aussi littérale: voui, on a affaire à de la cocotte dans cette bande, et de la plus belle en effet !

Et si moralement parlant, le film ne semble pas vraiment choisir son camp (celui-ci relate la haute lutte entre un prédicateur hystériquement obtus et une fille de joie ramenarde, bloqués dans un hôtel à cause... de la pluie, sans que le script jamais ne se décide entre "le mormon et la putain"), plastiquement il est résolu et se montre régulièrement renversant de modernité. Mouvements, cadres et découpages hissent ainsi l'affaire plus haut qu'on y songe de prime abord (le film est volontiers minimisé à l'aune de la williamso-hustonienne Nuit de l'Iguane) au point d'imposer la découverte... le k-way fut-il de mise !,

par Lewis Milestone.

Un DVD de choix parmi les six nouvelles parutions

Vintage Classics de Wild Side Vidéo,

en rayon dés le 25 janvier.

Le Corsaire Rouge / Bandido Caballero

2012-01-19T20:45:00.013+01:00

The Crimson Pirate, 1952.

Sur-pirate movie, renvoyant tous les ambitieux en -ski (Polan-, Verbin-) à leur bateau Playmobil, tant la chose s'impose comme un modèle indépassable de fantaisie, de rythme, de charme*, de cartoonerie acrobate et transformiste, ayant indubitablement inspiré les plus soiffards en trépidants dépaysements bigger than life (Gilliam et son Munchhau' en tête !),

par Robert Siodmak.

* et ce en dépit d'un amalgame entre la coquetterie et la classe (sic George Abitbol, l'homme le plus casse du monde).

Bandido, 1956.

C'est avec la plus parfaite outrecuidance que nous nous permettons de reprendre les mots de l'indispensable ouéstèrniste Tepepa que le bougre agença il y a quelques temps sur son blog éponyme pour évoquer cette rareté zapatiste:

Dix ans avant Damiano Damiani, Richard Fleischer nous fait découvrir le Mexique révolutionnaire, avec son armée de gris vêtue qui se fait tailler en pièces, ses péons hurlants qui tombent comme des mouches, les révolutionnaires guerilleros bardés de cartouchières, les automobiles primitives et sa course au trésor, bien qu’ici c’est d’une chasse au dépôt d’armes qu’il s’agit. Le duo entre l’occidental arriviste et le Mexicain révolutionnaire est déjà là aussi, bien que le mexicain joué par Gilbert Roland ne suive pas la pente initiatique vers la révélation sociale que suivront ses successeurs italo-cubains. Robert Mitchum, par contre, avec son flegme et son absence de scrupules, préfigure bien la ribambelle de pingouins polako-finlandais qui déferleront sur le territoire du Mexique Spaghetti dans les années soixante, mais western américain oblige, c’est la femme (Ursulla Thiess) qui lui donnera une leçon d’humanité, et non pas le rustre indigène local. On est tout surpris également de trouver un Mexique verdoyant et varié (le film a bel et bien été tourné au Mexique selon imdb), à mille lieues des cailloux désertiques d’Almeria, mais aussi des gorges épineuses de Peckinpah. La mer au Mexique ? Mais oui, c’est possible. Des marais poisseux ? Mais oui, aussi !

Si le film aura alors un incontestable attrait pour les amateurs de western zapata, il n’en reste pas moins agréable à suivre pour le commun des mortels, avec des moyens, des grenades, du second degré et une lisibilité limitée des intentions du héros. Mitchum est bien, sans flingue et sans chapeau, Gilbert Roland un peu moins convaincant, en révolutionnaire presque intellectuel,

par Richard Fleischer.

Pépites diffusées lors du tout premier volet éfertroisien de la madeleine "genresque" La Dernière Séance de Mitchell et Jourd'hui, dont nous rendrons compte mensuellement, et à trente ans d'écart, à l'égal de toute la programmation cinématographique (ou presque !) de l'année 1982, qui aurait pu alors nourrir notre enclin, "genreux" donc, tout juste naissant l'année qui vit Patrick Battiston enrichir soudainement son stomatologue...

Le Rémouleur Cinéphile #3

2012-01-19T13:00:00.000+01:00

Radio Plus, Radio Plus, Radio Plus !

- Le Rémouleur Cinéphile -

Talk Radio

2012-01-18T22:00:00.003+01:00

id., 1988.

Fruit indiscutable de deux pans de la psyché entertaineuse de l'Amérique que sont le film deejayesque d'un côté et le biopic de sulfureux stand-upers de l'autre*. Ainsi le shaker se verra ici rempli principalement de Play Misty For Me et de Lenny mais ne fera pas oublier quelques autres titres qu'il rejoint ou préfigure (Fog, Fisher King, Man on the Moon, Franc-Parler, Parties Intimes, Pontypool...).

Quoique brillamment mis en forme et solidement interprété, le titre demeurera, en plus qu'inégal (un tiers central flashbackeux assez faible), bien sûr moralement, éthiquement confus.

Ainsi si le portrait d'un homme qui se noie dans son désenchantement, sa colère, sa misanthropie et son incapacité à vraiment communiquer semble fonctionner, les résonances sociétales dont Stone et Bogosian font par ailleurs un bruyant étalage (pour peu qu'elles soient exactes et un juste reflet de la redneckerie US) n'est que provocation facile et vaine, faute de point de vue et de perspective.

Si l'animateur radio est cohérent avec son nihilisme, qu'en est-il en effet de son entourage ? Pourquoi son patron se satisfait-il de ces émissions putassières* (Baldwin répète sans cesse de ne pas "trop" en faire mais se rengorge à coups de "great !" du "trop" commis chaque soir) et une major souhaite-t-elle le diffuser à grande échelle ? Qu'est-ce que cela nous dit des médias ? du monde ? Rien que les auteurs ne supposent, n'ambitionnent sans doute, ivres de leur propre et noire virtuosité et fascinés par le (facile) gueuloir radiophonique qu'ils ont engendré...

par Oliver Stone.

* il en est littéralement la fusion puisqu'inspiré d'un spectacle de stand-up d'Eric Bogosian

et de la bio de l'animateur Alan Berg, assassiné par un auditeur en 1984 !

** alors que l'alibi Lelay-sien de la publicité est ici littéralement absent.

- le film, raréfié depuis 1988,

sort chez Carlotta et devrait alimenter un fougueux débat autour de lui -

Naissance de la Projection (par le fantasme sonore)

2012-01-15T09:00:00.001+01:00

C’est sans en avoir vu la moindre image alors que mon frère et moi jouions et rejouions sans cesse la séquence dite du Football Fight de Flash Gordon (Hodges, 1980), inspirés en cela par la face B, peu musicale mais pleine d’évocations, du 45t de Queen Flash : un vague pugilat d’une minute et vingt-huit secondes (bien plus hystérique que la véritable pantalonnade à la colorimétrie hypertrophiée qu'elle illustrait en réalité...).

Le Tueur du Vendredi - Vendredi 13 #2

2012-01-13T18:00:00.000+01:00

Friday the 13th - Part 2, 1981.

Il s'agira bien de ne pas perdre de vue la perspective lorsque d'aucuns vous affirmeront, et parmi eux moi, que ce second opus de la licence bientôt hockeyeusement masquée (ce n'est point encore le cas ici, le visuel ne se trouvant que dans la livraison suivante) constitue le meilleur segment de la piètre saga.

Si l'argument demeure toujours aussi lapidaire, le traitement des personnages pareillement expéditif, l'allégeance à La Baie Sanglante de Bava plus que jamais prégnant (ici des modus homicides sont même repris tel quel !) et le tout passablement stupide, force est de distinguer pour ce coup-ci une gestion du tempo, de l'espace et de la résistance plus inhabituelles... et bienvenues.

Ce mol enthousiasme posé, rien de bien neuf sous la hache (engluée par ailleurs encore dans la construction hasardeuse de sa propre mythologie),

par Steve Miner.

Mad Max

2012-01-13T07:00:00.005+01:00

id., 1979.

Symphonie virtuose, épique et dégénérée, ouéstèrne post-moderne et suprêmement décadent (la scène des "bad guys at the station" a tout de High Noon ou de Sergio Leone), hymne frénétique à la vitesse (hypnotiques rubans d'asphalte), sauvage, fétichisant (cuir, sueurs, cicatrices, cylindrées et tôles froissées, le tout avant Cronie), anticipation déjantée (il faut voir le commissariat du MFP et ses flics-voyous déglingués), hiératique et revancharde (du ouéstèrne que j’vous dit, de Liberty Valance à Unforgiven !)... une date assurément (même si c’est le 2ème volet, post nuke, qui alimenta 20 ans de clônes latins…) !

Vision apocalyptique, cheapos et no future, magnétique (pas si éloignée de celle du Big Apple fracassé de New-York 1997), méchamment filmée, c’est l’occasion d’une des ouvertures les plus catchy et estomaquante du ciné d’alors (la poursuite du Knightrider), d’une poignée de scènes traumatisantes (l’agression collective de la minute 25, celle de la famille de Max, Goose le motard passé au barbecue…) et de quelques autres distillant une angoisse de correcte ampleur (la traque forestière (cousine consanguine de Delivrance ?) précédant la mise à mort du bébé de Jessie (elle survivant tout juste) me terrifia, en son temps).
Joué assez approximativement (malgré l’hallucinée Tondeuse, sorte de Benny Hill psychopathe), ce qui renforce le malaise ambiant, mais filmé avec une rare intensité, le film, nerveux et complaisamment sadique, idéologiquement douteux (tout ça est bien réac’ !), est soutenu en outre par une partition orchestrale classique et baroque à la fois de Brian May (très Herrmann-Rozsa-Waxman) qui renforce le climat difficilement soutenable de la chose, authentique concentré de chocs, pépite odieuse et inouïe, scandaleux chef-d’œuvre patenté… film-monstre, culte et éminemment formateur,

par George Miller.

Le Rémouleur Cinéphile #2

2012-01-12T08:00:00.001+01:00

Un pour Tous et Tous pour Jacquot ?

C'est ici qu'ça s'dit:

- Le Rémouleur Cinéphile -

La Guerre des Mondes

2012-01-11T16:00:00.002+01:00

War of the Worlds, 2005.

Le postulat scénaristique d’abandonner les procédés omniscients et chorals pourtant coutumiers du genre (voir encore les récentes Emmericheries !) et de laisser là même la vision des puissants « dépanneurs » (Etat, Armée, Scientifiques, Presse) au profit du prisme réduit d’un pauvre mec (anti-héros autant que peut l’être Cruise, ne poussons pas trop quand même !), d’un citoyen lambda ignorant tout de ce qui se passe et qui tente de fuir est la force vive, l’intérêt principal de cette relecture Wellsienne. Les effets spéciaux, volontiers bluffants aussi, mais c’est la forme du récit qui tient le film en haleine, nourrissant sa paranoïa paradoxalement naïve et post-09.11.

Ainsi peu de séquences, pourtant impressionnantes, ne se détachent du corpus (à condition qu’elles ne soient pas exagérément référentielles, comme la scène de la cave, clin d’œil proche du TOC à Jurassic Park et Minority Report en un seul coup de caméra) ou bien sont-elles exclusivement celles presque dépourvues d’envahisseurs (la foule en panique attaquant la bagnole de Cruise), mettant en scène la furie aveugle de l’homme affolé, aux repères égarés.

Sorte de négatif de CE3K (comme Poltergeist était celui d’ET), ce film est surtout une oeuvre adulte (le vilain mot !), pleine encore des petites affaires de Steven (la famille décomposée, par exemple*) mais débarrassée à jamais de la légèreté 70’s au profit de la noirceur des années de l’après barbecue Ben-Ladesque,

par Steven Spielberg.

* les diverses thématiques seront sans doute évoquées par Clément Safra,

auteur du Dictionnaire Spielberg récemment publié par Vendemiaire,

lors de la présentation qu'il fera ce soir du film à La Cinémathèque de Toulouse,

dans le cadre du cycle Fin du Monde ?

French Connection

2012-01-11T14:00:00.010+01:00

id., 1971.

Formellement jusqu'au-boutiste et en plein dans le renouveau du film policier (Popeye Doyle, quoique plus humain et réaliste, est aussi peu "aimable" que Dirty Harry) que creusera des types genre Lumet, FC est aussi peu glamour qu'il est diablement immersif et foutument désenchanté. Immersif jusqu'à l'inconfort, désenchanté jusqu'à plus loin encore.

Le heurté de la prise de vues*, le confus du montage et l'opaque parfois de la progression narrative**, aussi peu souples soient-ils, sont évidemment tout au service du projet et offrent un supplément d'âme, un diapason valide et indiscutable au sujet.

Ce qui demeurera plus sujet à débat, c'est la sincérité de l'entreprise. Sensation décuplée à 40 ans de là: aujourd'hui "machin" que le culte (et le temps) a un peu dépossédé de ses qualités d'alors (et déformé au profit d'épinaleries cinégéniques) French Connection, aussi iconoclaste apparaît-il sent (un peu, parfois) le "procédé",

par William Friedkin.

* tandis que les acteurs ont répétés scrupuleusement leurs déplacements,

le caméraman en ignorait tout et devait les suivre "au feeling".

** de très nombreuses séquences (fin comprise) ont été écartées au montage,

creusant pourtant la personnalité de Popeye.

Le Clan des Siciliens

2012-01-11T08:00:00.001+01:00

id., 1969.

Frenchy blockbuster à la papa, tout en DS et DC-8, ce sommet solide de la filmographie d'Henri Verneuil vaut évidemment plus pour sa Ste Trinité et ses deux scènes d'anthologie (l'évasion à la René la Canne d'un panier à salade et le détournement sur autoroute en construction du vol Paris-NY) que pour la franche intensité de son récit (assez ba(na?)lisé), mêlant assez artificellement deux enjeux (un duel Le Goff-Sartet (sous-exploité, mais Verneuil n'est pas Melville) et un caper movie Mélodie en Sous Sol-like) ou de ses ressorts psychologiques (on notera cependant que les femmes sont un tout petit peu plus creusées (la non-sicilienne Jeanne par exemple) que les flingueurs, fumants ou pas).
Restent des séquences fort bien filmées (toutes les scènes dans l'entreprise de flippers Malanese) par Henri Decaë, une BO au poil d'Ennio et une ambiance early-70's emballante (mais pas autant que dans Dernier Domicile Connu ou Le Grand Blond).
Et puis cet inévitable petit côté rassurant du dimanche soir...,

par Henri Verneuil.

Lee H.Katzin: Cosmos 1999 #1-01

2012-01-08T09:00:00.002+01:00

Lee H.Katzin a tout du besogneux routard de la TV series, que des velléités cinématographiques n'écarteront pas longtemps de son destin tout hertzien.

Ses classes faites à l'orée des 60's avec Le Proscrit (après de l'assistanat sur le fouetteux plateau de Rawhide), on le retrouve, du générique des Mystères de l'Ouest à celui de MacGyver, dans tout ce qui fit ou presque pétarader le petit écran (CHIPS inclus !).

Signant une douzaine d'épisodes de Mission: Impossible (en 67-68), il retrouve huit ans plus tard les acteurs (et épousés) Martin Landau et Barbara Bain lors de cet inaugural épisode de Cosmos 1999, le fugace projet Kubricko-StarTrekien des Anderson (créateurs par ailleurs des marionnettisantes Sentinelles de l'Air).

Ce faisant l'homme revient en fait (penaud ?) d'une brève expérience cinématographique qui l'a vu apposer son nom à de disparates productions (l'Aldrichienne interrogation: Qu'est-il Arrivé à Tante Alice ?, la Premingerienne Salzburg Connection (avec Anna Karina et Udo Kier)) au sein desquelles ne brillera à vrai dire (quoique l'affaire fut un bide !) que l'interminable publicité pour les cultissimes montres Tag Heuer (sur laquelle il n'atterrit qu'après la démission de John Sturges) que constitue le surmacouinien Le Mans.

C'est en toute humilité donc qu'il signe l'épisode 1 de la saison 1 de Cosmos 1999 (il en fera autant avec L'Homme de l'Atlantide), qui voit l'échec retentissant du Commandant Koening, un 13 septembre, à éviter une catastrophe nucléaire aux conséquences peu banales: la Lune rompt son orbite avec la Terre et s'en va errer dans l'Espace, par delà même notre si familier système solaire !

Ne pouvant compter sur l'aide du Dr John Robinson ni sur celle Commandant Kirk (pris dans leur propres errantes galères), "l'équipage" de la base Alpha (311 pyjamas à zip sur l'épaule) n'a plus qu'à se débrouiller seul.

Enfin, presque seul puisque cette errance se fera, tout au long de 48 épisodes, sous l'oeil implacable de différents réalisateurs ayant eu maille à partir aussi (et avec des fortunes toutes aussi contrariées), avec le cinoche qu'on aime:

l'edgarriceburroughile Kevin Connor mais aussi Peter Medak (L'Enfant du Diable), Charles Crichton (Un Poisson Nommé Wanda)... ou le recommandablement Hammerien Val Guest (Quatermass !).

A lire sur Le Mans.

Peggy Sue s'est Mariée

2012-01-07T14:00:00.004+01:00

Peggy Sue Got Married, 1986.

C'est sans doute le vain et autosatisfait -quoique pugnace !- enclin critique qui, avec le temps, fit coïncider les thématiques Copolesques avec cette fadasserie time-traveleuse, patente sous-Back to the Future (même si le script est, dit-on, antérieur au Zemeckis à DeLorean), histoire de dessiner aux forceps les contours d'une oeuvre cohérente et circonscrite.
Il n'y a pourtant que peu à retenir de cette bluette anachronique (jusque dans le casting, passablement trop âgé !), tout juste une certaine et capra-esque mélancolie (qui tourne toutefois au moralisme... démoralisant) et les premiers pas de certains "futurs": Cage pas encore Sailor et Carrey anté-maské...

Le reste est, malgré un féminisme recherché (mais finalement bien tiède), absolument dispensable,

par Francis Coppola.

Happy Birthday

2012-01-06T08:00:00.006+01:00

Happy Birthday to Me, 1981.

Lorsque - masochistement - l'on se penche sur le courant du slasher late 70's/early 80's, on ne manque rarement d'entendre (et parfois d'abonder en un même sens) que tel et tel film se distinguent toutefois de la masse opportuniste qui s'entassait alors sur les écrans, au lendemain des succès inégalement justifiés d'Halloween et de Vendredi 13. Au point qu'à force même, cette "masse" n'en semble plus une puisque chaque titre offrirait son "particularisme" salvateur.

Après Le Monstre du Train, épargné par quelques effets de manche et l'incomparable merveille psychokilleuse de Vernon Zimmerman, Happy Birthday est donc parfois considéré comme "au dessus de ce légendaire tout venant", de par une réalisation soignée et une ambition inhabituelle, au ludique noirissime quoiqu'englué dans ses modèles (Hitch and Carpenter rules !).

Autant whodunit, giallo que simple slasher teenagerocide, cette sanglante campusserie assez friquée (un budget dix fois supérieur à ses modèles) s'entiche ainsi de brasser plus de thèmes qu'à l'accoutumée mais s'avèrera, du coup, par trop éprise d'esprit de sérieux et tristement coupable de contre-productivité plastique (la belle séquence d'ouverture n'offre pas de lendemain par excès de sujet... et la finale, par surenchère de twists et de tiroirs, ne manque ainsi pas de susciter la circonspection la plus désarmée !),

par Jack Lee Thompson.

NB: le titre permet en outre l'occasion non négligeable pour l'amateur foutraque de voir Mary Ingalls offrir un comportement pour le moins anti-petite maison dans la prairie (tandis que Glenn Ford et le réalisateur cachetonnent allègrement !) !

Le Rémouleur Cinéphile #1

2012-01-05T10:00:00.003+01:00

Une nouvelle rubrique, sur une nouvelle page.
10 titres pour évoquer un troisième couteau par nous chéri.

Première lame réaffutée, celle d'un grand môssieur de la comédie française...
aux "envahissantes lunettes pédégesques (qu'il a du transmettre par testament à Bertrand Burgalat !), phrasé de sénateur ultra-conservateur et mise toujours stricte"

...à lire chaque semaine, ici:

- Le Rémouleur Cinéphile -

Melancholia

2012-01-03T14:39:00.003+01:00

id., 2011.

Festen meets Armaggedon sous les yeux impuissants de Jack Bauer ?

La vraie claque (plastique, mystique, ...) de 2011* n'aura pas été, malgré les vrais et prégnants efforts de chacun, almodovarienne, hazanaviciesque ou (au hasard) malickeuse.

Non, elle nous aura été donnée par un réalisateur dont seul le cinéma est (bienheureusement et décidément) toujours plus grand que la gueule...

par Lars von Trier.

* pourtant belle année de cinoche, nan ?

Le Mouton Enragé

2012-01-01T23:00:00.001+01:00

id., 1974.

A la fois théorique et charnel, plus désenchanté (cruel ?) que cynique, davantage grisant qu’il n’est véritablement élégant, le marivaudage 70’s de Deville, certes inégal (les 20 dernières minutes, cousues de fil blanc n’amusent soudainement plus), offre toutefois un bien beau - et lapidairement classique - polaroïd conceptuel des intrigues sexe-politique-presse- en même temps que deux-trois portraits bien sentis (le marionnettiste omnipotent et impuissant à la fois que campe fort bien JP Cassel (un metteur en scène ?), du fond de sa brasserie, fiches en main, mais aussi Roberte, la victime collatérale donnée par une Romy Schneider aussi intense que chez Sautet, Birkin, troublante et insaisissable complice ingénue, et surtout la marionnette désincarnée mais consentante que joue Trintignant, impec’).

Le tout est très XVIIIème (siècle pas arrondissement !), existentiel et (un brin) poétique, ce qui n’est pas une surprise chez Deville, et s’avère longtemps plaisant, malgré le confus écheveau de péripéties fantasmatiques et d’influences tissé, car ménageant tragique larvé et ironie ébouriffante (je veux être riche et coucher avec plein de femmes), acide goguenard (A part les films pornos, le cinéma occidental n’a aucune raison d’être) et chaleur poignante (les scènes d’alcôve de Romy)…
Un beau spécimen de libertinage moderne, moqueur et doux-amer, réussi.,

par Michel Deville.

Naissance de la Résistance (par l'escalier)

2012-01-01T09:00:00.001+01:00

Par interdit parental nous ne vîmes tout d’abord pas, mon frère et moi, Rollerball (Jewison, 1975) lorsque la télévision française le diffusa. Ce qui fit monter en nous la notion de culte pour ce prétendu concentré d’ultraviolence, qui s’avéra finalement bien plus étonnant dans ces instants hors-sport (l’anticipation sociale et politique étant tout aussi intrigante que celle de Soleil Vert (Fleischer, 1973) ou même de L’Age de Cristal (Anderson, 1976)), quand nous le dégustâmes enfin.

Nous parvînmes néanmoins à l’époque à en apercevoir quelques images motorisées, à l’insu de notre père qui, lui, n’hésita pas à s’envoyer sa dose de testostérone orangée.

Jo-na-than ! Jo-na-than !

30 Minutes Maximum

2011-12-28T10:00:00.005+01:00

30 Minutes or Less, 2011.

Sous haut patronage confraternel, 30MoL, produit par Ben Stiller, joué par des familiers de la galaxie Adam Sandler (Nick Swardson), de celle Apatow (Danny McBride) ou de la série Parks & Recreation (Aziz Ansari, vu aussi dans Scrubs et Flight of the Conchords)... avait tout, sous ses allures de coup trop bien monté, pour se prendre les pieds dans le tapis (des précédents existent !)...

Mais parfait guilty pleasure, rythmé (pas d'gras, pas d'temps mort: 78 minutes, le format idéal de comédie !), punchliné, référencé juste comme il faut*, le nouveau Fleischer (après le très très chouette préalable Zombieland**), stupidissime mais roboratif, arrache les rires que le Délire Express de Gordon Green n'avait su obtenir de nous (tandis que le Crazy Night de Shawn Levy déjà plus (dans le modèle "comédies comptarebourées")).

Après Scott Pilgrim l'autre film qui nous fera regretter d'être pas nés en 1995 ?,

par Ruben Fleischer.

*****

* appréciera davantage le familier du Joel Silver late-80's (l'amateur plus encore)

** vu, aimé, mais pas chroniqué... la réparation sera bientôt faite !

Capitaine Blood

2011-12-26T10:00:00.016+01:00

Baptiser un blog ABORDAGES et l'habiller piratement parlant sans jamais s'emparer des bâtiments même que sont les films à galions, à trésors enfouis et autres swashbucklers où la flibuste donne le canon pour un oui et pour un non, voilà qui ne cessait de tourmenter notre lectorat, alerte, exigeant (à défaut d'être nombreux), et à qui on ne la fait décidément pas (chieurs et chieuses, allez !).
Aussi, puisque voilà 76 ans "tout ronds" ce jour que sortait le fleuron incontestable du genre (un poil en-deça c'pendant de L’Aigle des Mers ?), chaque quatrième lundi du mois verra-t-on désormais dans l'indispensablement lapidaire colonne de ce site... un film de pirates.
Bigre.
On ne l'avait pas vu venir, celle-ci... (qu'est-ce qu'il fout, à la vigie ?!)

Captain Blood, 1935.
Le toubib indigné se fait donc pirate (tendance gentleman) et deux perdreaux de l'année deviennent sous nos yeux des stars (Errol* et Olivia sont alors d'illustres inconnus sur lesquels la Warner parie pourtant, tandis que le film à drapeau noir a le vent dans les voiles depuis L'Île au Trésor de Fleming) tandis qu'une collaboration s'affirme déjà (Flynn a déjà joué une fois pour Curtiz** et le refera... en dix autres occasions !).

Le tout est enlevé, rythmé, charmant, fort d'un cadre souvent épatant, plein de grands élans et de petites mesquineries (Rathbone, débutant tout autant, en traître français, déjà !), de grands horizons et de petites maquettes (pas un navire de taille réelle lors des massives batailles !), soutenu par une indéfectible partition de Korngold (et Liszt !)... ça swashbuckle sec en somme.

D'autant que le titre repose sur un roman de Sabatini (Scaramouche, L'Aigle des Mers), plume aussi fameuse que celle de Stevenson dès qu'il s'agit de camper l'effervescence trouble qui règne sur le pont des navires où brillent de dignes héros s'élevant charismatiquement contre l'injustice,

par Michael Curtiz.

*****

* pas le premier choix du casting cependant.

** ici épaulé par Jean Negulesco et Byron Haskin.

John Mac Cabe

2011-12-22T09:00:00.006+01:00

id., 1971.

C’est toujours avec le même prisme déformant, cool et mélancolique à la fois, toujours en passant par cette bande qui lui était chère qu’Altman aborda tel ou tel genre (la guerre de MASH, le polar du Privé, …). Aucune raison donc qu’il en soit autrement pour le western 70’s, post moderne s’il en est, qu’il alla lover à cent lieues des harmonicas Leonesques, des crépusculaires Siegeleries (et encore moins comme un écho tardif aux classiques walsho-fordiens) mais au contraire dans le giron d’un certain naturalisme d’époque (proto-Jeremiah Johnson), au tragique diffus, pas si radicalement étranger aux futures -et chaleureuses- emphases d’un Pat Garett & Billy the Kid (Peckinpah troquera d’ailleurs les grattouillis à 6 cordes de Bob Dylan à ceux de Leonard Cohen !).

Le présent film, précis et patient, ambitionne d’offrir au regard la fin d’une Amérique et la naissance d’une autre, la fin hivernale d’une sorte d’Age d’Or où la foi et les errances de l’âme s’entremêlaient plus qu’elles ne bataillaient l’une contre l’autre (il suffit de voir la chorale de l’enterrement, tenue par les prostituées du claque !). Eveil du capitalisme, naissance de l’industrie hystérique du loisir (les coilleboilles traversent tout l’Ouest pour venir au bordel de Beatty et Christie) sont au cœur d’une production soignée (la photo de Zsigmond rappelle les gravures magnifiques des contes de O.Henry !), iconoclaste, mais dans laquelle Warren Beatty la ramène un poil trop, joue bien trop à l’acteur (il aurait même participé au script et, chichitant, compliqué régulièrement le tournage, au point qu’Altman se vengea en lui faisant reprendre près de 25 fois le réfrigérant final),

par Robert Altman.

*****

Le Havre

2011-12-21T23:59:00.004+01:00

id., 2011.

Arrive un moment où le recours à "l'univers", la convocation de "la petite musique" d'un auteur "marqué" lasse enfin.

La familiarité a du bon ? Des limites aussi, en ce qu'elle ne ménage guère plus de surprises et ne promet - au mieux - que des coups de coudes entendus entre gens de bon goût qui se gargarisent de se sentir "de la famille" !

Kaurismäki est de ces réalisateurs. (Re-)Connu sur le tard (peu d'auditeurs de France Inter à avoir expérimenté son oeuvre anté-Vie de Bohême), le cinéaste poète et bougon a aujourd'hui, légitimement, une claque de fidèles un peu grégaires et auto-satisfaits (les mêmes que pour Allen, Almodovar ou Guédiguian (?) ajoutés à ceux qui, ne connaissant pourtant que couic au cinoche classique (qui ça Ophüls ? Ford, c'est pas une bagnole plutôt ? l'expressio-quoi ? allemand, en plus !) se précipitent en troupeaux bêlants sur les buzz iraniens orchestrés par des rédactions bien pensantes et vous expliquent ensuite la vie et le cinéma).

En plus d'être lassé, on peut alors même s'agacer.

D'autant qu'évidemment, Le Havre est le titre sans doute, de l'Aki, le plus facile, le plus digest (et le plus Kidien ?). Toutefois, malgré l'évidence de cette assertion, le ronronnant de la manière de Wilms, la laideur de l'affiche, le sursocial de l'argument (ne le prendre que comme un mécanisme narratif rend le film, qui d'ailleurs travaille bien plus sa forme que son fond et choisit la fable plutôt que le pamphlet, plus agréable) et quelques autres scories indéniables, comment ne pas se réjouir de la renversante cinégénie de la ville refigurée par Auguste Perret (vue cette même année et dans une tonalité proche, réinvestie par Abel et Gordon dans La Fée*), du charisme remarquable de JP Daroussin quittant là un port pour un autre, de l'humanité qui transpire de Little Bob et des autres gueules de rades ?

En arguant l'artificialité de tout ça, la bédéphilie affadissante de l'affaire ? Certes oui**, mais ici, on aura, benoîts et béats, tout de même acheté*** !,

par Aki Kaurismäki.

*****

* ce qui est toujours mieux que dans Disco !

** et de bien convaincants s'en sont chargés, n'est-ce pas , M'sieur Ed ?

*** et y'a pas qu'nous, hein l'Doc ?

Walkyrie

2011-12-20T14:00:00.004+01:00

Valkyrie, 2008.

Ailleurs la sobriété est assez de mise et plutôt bienvenue (même le 4 étoiles de son casting so british ne nuit pas, rappelle seulement les grands films de guerre UK-60's, ras la gueule de vedettes).

Mais c'est sans doute dans sa forme, dans son efficacité usualsuspecte, sa solidité de thriller à tiroirs, son combinatoire manichéen, que ce Singer-ci pourrait pêcher, étourdi par la force dramatique de l'histoire qu'il raconte (et porte à notre connaissance) et sa construction aussi arachnéenne que souterraine.

Toutefois, étrange miracle c'est aussi ce même goût pour l'efficience, tôt pointé et manquant certes de tout fiche par terre, qui offre, par le biais d'une approche métafilmique, un sel inattendu: se montrer si efficace pour rendre compte de l'inefficacité, viser la forme gagnante pour rendre compte d'un échec…

Il y a là à méditer, et plus cinématographiquement qu'on y songe à première vue…

A l'égal de son contemporain Fincher, Singer* est décidément un cinéaste fascinant !,

par Bryan Singer.

*****

* que la thématique nazie, d'Apt Pupil à X-Men taraude visiblement !

Jennifer's Body

2011-12-19T10:05:00.003+01:00

id., 2009.

Le problème, en regard des envahissants modèles (Carrie en premier lieu) qui en étaient affranchis, c'est que Jennifer's Body avance vampirisé (c'est un comble !) par son actrice: pas de personnage qui puisse exister vraiment lorsque c'est Megan Fox qu'on nous vend, qui est vendue, et que seule on voit à l'écran. Le corps de Jennifer, pour promis qu'il est, n'existe pas. Seul celui de Megan apparaît.

Ceci posé s'en pose un second, de problème, comme un élargissement du premier à bien y regarder, qui est le cosmétique de l'affaire. Jennifer's Body n'est que cosmétique, les mêmes dont l'héroïne use pour masquer sa "triste face" lorsqu'elle est "vide". Le film de vampire et le teen movie sont-il donc si "vides" eux aussi qu'il faille tant les maquiller (comme des voitures volées ici) et nous faire croire à une fraîcheur intacte afin de livrer un reboot pour jeunes générations emophiles ?

Nous n'entrerons pas dans le débat mais il pose tout de même, par ricochet, le problème de la parfaite inutilité, le patent superfétatoire d'un film tel Jennifer's Body. Pas particulièrement mal fichu (quoiqu'il survole ses enjeux, néglige son univers et ne campe pas grand chose de bien solide) mais aussi coincé de la raie que ses illustres prédécesseurs malgré ses grands airs et ses vannes hannamontanacides, le film n'est pas plus borderline qu'une pub pour Agent Provocateur. Et s'il clindoeille certains anciens (Evil Dead*), il ignore avec morgue ceux dont il se nourrit directement et dont il n'offre qu'un vain écho... sous l'make up donc,

par Karyn Kusama.

*****

* fan avérée, la scénariste hype'n'riott Diablo Cody,

bosse sur son (inutile) remake !

The Rocketeer

2011-12-18T11:50:00.005+01:00

C'est avec legitimité que Joe Johnston ambitionna une place de choix dans le monde de l'entertainment dit familial toutes les 90's durant.

Sorti en effet de la cuisse à George Lucas (émérite collaborateur des épisodes V et VI), tout en sautant sur les genoux de Spielby (des Aventuriers de l'Arche Perdue au 3ème volet jurassique en passant par Amblin) et en flattant les bourrelets de chez Disney (il réalise Chérie J'ai Rétréci les Gosses et flirte durablement avec Brad Bird avant qu'il ne rejoigne Mickey pour leur offrir les impeccables Indestructibles ou Ratatouille)), le bonhomme collabore avec la fine fleur du buzz populaire (Robin Williams, Macaulay Culkin), produit de la fantasy revivaliste (Willow), tout en demeurant - au yeux de tous - moins qu'un Chris Columbus, guère plus qu'un Frank Marshall, pis qu'un Zemeckis en somme: une sorte de yes-man consciencieux à la botte de barbus big boss à la mode. Et ses efforts méritoires sont alors injustement méprisés.

Ainsi de ce Rocketeer (payé par une maison Disney se cherchant) qui fleure bon le nanar miteux mais valant un peu plus que ça (malgré son pâlichon héros (après que Depp ait été approché le rôle échoit à Bill Campbell, dégagé en télé)), tant la trépidante naïveté de l'affaire s'avère vite communicative. Mêlant ainsi le 3ème Indiana Jones (ses nazis, son zeppelin) à Dick Tracy (Lothar le flingueur semble échappé de la bande à Big Boy Caprice), le titre baigne dans un mood pré-Aviator ("des védettes et des navions") autant que proto-Captain Sky, qui rend la chose authentiquement charmante. Timothy Dalton en savoureux félon hollywoodien (singeant Errol Flynn ?) et le rouge aux lèvres de Jennifer Connelly faisant le reste.
Mais pas plus non plus, on est bien d'accord...,

par Joe Johnston.

*****

Popeye

2011-12-17T23:59:00.000+01:00

id., 1980.

Loin d'être aussi indigne (bluffante direction artistique, adéquation "philosophique" avec le matériau original, tant dans le visuel que les registres*) que sa légende le prétend sans relâche, cette adaptation n'en demeure pas moins curieuse dans ses motivations.

Le réalisateur, loin de chez lui (de son ton, de ses préceptes anti-hollywoodiens) veut en effet se refaire la cerise (ses quatre derniers films**, payés par sa propre maison sont des bides sciant la branche) et, d'une même main, amende honorable en se pliant au system qu'il abhorre pourtant (et se coller à Disney et Bob Evans relève d'un sens aigu de la flagellation !).

Contre l'avis de tous, il va même jusqu'à collaborer avec le compositeur Harry Everybody's Talkin Nilsson, réputé alors pour son gout pour le goulot (plus que les épinards)*** et ne rien se refuser dans les effets énhaurmes (voire ringards) qui rythment (et "arythment" parfois !) la drôle de production...

... le résultat final n'est pourtant pas (il faut le répéter !) dénué de charme et se vêtirait même avec le temps de la patine du miraculeux "accident industriel" (le concept du grand film raté ?),

par Robert Altman.

*****

* c'est visiblement cette dimension

- convoquant largement la désuétude la plus désarmante -

qui égare souvent les détracteurs !

** Trois Femmes, Un Mariage, Quintet, Un Couple Parfait.

*** et assez loin de son autre superbe, noixdecocotée...

le film, tout youtubé ici

(pas de scrupule: ni Paramount ni Disney n'ont cru bon de se fendre d'un DVD zone 2 !)

Altman et la Country: Nashville / The Last Show

2011-12-16T23:00:00.006+01:00

id., 1975.

Après avoir "corrompu" les grandes iconographies hollywoodiennes (films de guerre, western et film noir), frottées au désenchantement et à l'humour noir (MASH, John McCabe, Le Privé), Altman observe le microcosme country (autre grande composante de la culture américaine) à l'occasion d'une de ses grandes fresques panoramiques et circulatoires qui deviendra sa signature (dispositif repris dans The Player, Prêt-à-Porter, Gosford Park et surtout, dans sa forme la plus ample et la plus radicale, avec l'impeccable Short Cuts).

Aussi critique et plein de désillusions que toujours prompt à l'exaltation, le réalisateur pointe en l'american dream vanté à la guitare et au violon tous les paradoxes d'une nation ayant pris pour adage bien des formules du show business. Ni à charge, ni complice, jugeant même rarement ses situations et ses personnages, l'observation quasi-documentaire* saisit l'effervescence et la communion (parfois autiste) d'un microcosme auto-suffisant et sourd aux pulsations du monde qui l'entoure: Nashville et sa country labellisée (que la caméra explore sans relâche, traquant ses rythmes, ses contours, ses enjeux et ses symboles) n'est alors rien de plus que New York à l'heure des premiers immigrants: une promesse qui ne sera tenue que pour le plus petit nombre, l'impression d'une chance pour tous qui n'existe en réalité que pour peu, une couleuvre que les mélodies des banjos font avaler aveuglément... le cynisme, l'arrivisme, l'opportunisme de tous (politiques, vedettes, médias) n'ayant de cesse de s'agiter sous le vernis clinquant et théâtralisé à l'extrême du show business triomphant,

par Robert Altman.

*****

* relayée par un souci d'improvisation des comédiens

qui durent composer eux-même les chansons qu'ils interprètent,

en direct, lors du film (la formule sera payante puisque Keith Carradine

et son catstevenien I'M Easy croulera sous les Oscar et les Golden Globe !)

et d'un montage tâchant toujours de transmettre le bouillonnant,

la confusion (sonore, rythmique) de la vie "en vrai".

A Prairie Home Companion, 2006.

Trente ans plus tard, et après avoir posé sa caméra panoramico-microcosmique sur l'univers de studios hollywoodiens et sur celui de la haute couture, Altman revient à ses amours country, lors de l'évocation d'une (authentique) émission radiophonique hors d'âge, délibérément vintage et surannée. La forme y est bien sûr Altmanienne dans sa "choralité" mais passée au vernis de sa manière la plus chaleureuse, la plus bienveillante, de celle qui avait fait de Cookie's Fortune un film si délicieux.

Le délice est ici aussi au rendez-vous, entre nostalgie douce et virtuosité intacte (le fourmillement, l'effervescence, la topographie, sont saisis et rendus avec une savoir-faire remarquable) mais le propos n'est plus tout à fait le même que lors de Nashville. La politique cède la place à la rêverie, l'ampleur de l'observation est ramenée à une affaire presque "familiale" au point que les acteurs sont cette fois-ci aussi centraux que les personnages qu'ils incarnent (davantage de performances ici, de Meryl Streep au drôlissime et petersellersien Kevin Kline*), et que seule la "peine musique" de l'âme de l'Amérique profonde (dit ici sans jugement) paye encore le tribut identitaire d'une oeuvre paradoxalement oecuménique.

Le scénario de Garrison Keilor (authentique animateur de la véritable émission, privée d'antenne en 1987), qui joue quant à lui son propre rôle, offre préalablement (et en plus d'une largeur métaphorique évidente) la même virtuosité d'écriture que celle, visuelle et rythmique, du réalisateur. Mêlant vécu et spectacle, moments de vie et publicités chantées, réel et fantasme, il orchestre les derniers instants d'une émission comme, fatalement, ceux d'une époque. Point de farouche conservatisme pourtant ici, la chose, nimbée d'un fantastique bienvenu, s'interdit toute propagande: la notion de petit théâtre de marionnettes imaginaire est volontiers appuyée au point qu'alors que le show est enregistré en public, on ne verra jamais de spectateurs...

par Robert Altman.

*****

Salut l'Ami, Adieu le Trésor

2011-12-16T08:00:00.001+01:00

Chi Trova un Amico... Trova un Tesoro, 1981.

(Modeste) sommet artistique sans doute de l'oeuvre fayoto-baffesque du duo latin que cette pochade exotique non exempte bien sûr de travers idéologiques (homophobie récurrente, régulier colonialisme), ni allégée de lourdeurs plus cinématographiques (durée toujours aussi exagérée, répétitif des situations et redondance des motifs, complaisance des caractérisations) mais qui finit pourtant, la faute à un juste équilibre des enjeux* et une correcte appréhension des moyens (pas si souvent atteints par le passé ?)) par exhaler une sorte de charme (celui-là même de la quintessence ?),

par Sergio Corbucci.

*****

* enjeux plagiant sans scrupule le dispositif nippo-naufragiste

du (piètre) Dernier Vol de l'Arche de Noé des studios Disney

(incarné d'ailleurs par le même acteur: John Fujoka)

Les Bidasses en Folie

2011-12-15T18:30:00.000+01:00

id., 1971.

Évidente profession de foi punk pour Luis Rego qui, séquence après séquence, s'affirme comme Le Charlot militant, déterminé, rétif*,... seul membre dépositaire d'un (embryon de) discours, d'une amorce de posture (antisociale), l'unique élément d'ailleurs dont, dans les scènes ad hoc, la rage burlesque se fait la plus sincèrement auto-destructrice (façon Keith Moon/Pete Townsend ?)...
... au point de se faire poil à gratter jusqu'au sang** lové dans un divertissement à la désinvolture par ailleurs désarmante mais pas toujours satisfaisante en ce qu'il mélange (sans grande conscience ?) vieilles recettes burlesques (peu exploitées encore dans la comédie française populaires, reconnaissons-le !) et ambiances contemporaines, sans questionner jamais franchement son sujet (tabler sur l'exclusif motif de la conscription obligatoire, cauchemar de la jeunesse pompidolienne, semblant suffire à tout le monde, public massif compris),

par Claude Zidi.

*****

* Régo est d'ailleurs un véritable déserteur
du service militaire (portugais), et, insoumis, fera vraiment de la taule !

** pas étonnant qu'il soit lourdé du groupe quelques mois après la sortie du film ?

200 Motels

2011-12-15T12:44:00.004+01:00

id., 1971.

Est-ce par fidélité à sa filmographie nonsensique en tant que Beatle que la carrière post-Fab Four de Ringo Starr acteur a conservé une certaine tendance à l'élection de projets volontiers azimutés (Candy ou The Magic Christian appuyant la tendance, tandis que Blindman ou L'Homme des Cavernes l'atténuaient à peine) ? Sa participation (dans le rôle de Frank Zappa himself) semble ne pas infirmer la suspicion !

Projet happening pour le moins foutraque et inégal (des passages imbouffables s'enchaînent à des séquences d'un cynisme roboratif quant au quotidien des musiciens), le "film" de FZ (en pleine année noire, celle de toutes les galères, entre feux de casino et fractures), expérience limite quoique garantie no-drugs (?!), ne ressemble à rien de connu alors (à part les Monty Pythons !) ni de franchement cinématographique (grosse économie télévisuelle, tournage en une semaine et captation en vidéo)... en revanche le maelstrom solarisé judicieusement décomposé en plusieurs pistes, et on suspectera de possibles influences sur (en vrac): Spinal Tap, Forbidden Zone, Metal Hurlant, Tommy... soit du culte en barres !,

par Tony Palmer & Frank Zappa.

*****

NB1: le film, youtubé.

NB2: un hommage circonstancié

et centrifugique, ici.

Les Diamants Sont Eternels

2011-12-14T18:30:00.010+01:00

Diamonds Are Forever, 1971.

Délicat épisode (007#06) des aventures de l'agent de l'Intelligence Service puisque, au lendemain du bide Au Service Secret de Sa Majesté (pour lequel George Lazenby avait remplacé Sean Connery), il s'agit de se refaire et, pour ce faire, de convaincre l'acteur écossais de rempiler.

Les dollars nécessaires, un intéressement sur les recettes et la possibilité de faire financer deux projets qui le séduiraient finissent de faire baisser la garde au futur Zardoz (et éviter ainsi de se cogner un tiédasse John Gavin pour passer le tuxedo, puisque Burt Reynolds -pourtant préféré - n'est pas disponible*).

Délicate car articulaire - y compris pour Guy Hamilton qui revient six ans après avoir réalisé (le majeur) Goldfinger (et qui assurera encore les premiers opus mooresques) -, la production en sa matière même semble d'ailleurs symboliser la transition en cours tant elle relève de deux films distincts (maladroitement) accolés l'un à l'autre.

Le premier (le meilleur), économe et nerveux, doucettement misogyne, a ainsi tout du film noir un rien nébuleux dans les motivations de ses protagonistes (le gang des tueurs de Slumber mais plus encore le couple sadique formé par MM. Wint et Kidd semblent tout droits sortis d'un volume de Raymond Chandler !**) et se voit ainsi (tristement) abandonné à l'heure de métrage pour verser dans la mégalomanie vegaso-techno-nuclearo-spatiale*** de ce que sera la franchise pour la grosse décennie à venir... Sean leaves again (malgré le pognon), nous aussi. Sauf que nous, pas sous contrat et malgré deux chouettes séquences claustrophobiques (l'une dans un cercueil en passe d'être incinéré, l'autre dans un pipe-line), c'est en plein milieu du film.

par Guy Hamilton.

*****

* il doit jouer de l'arc et du carquois parce qu'on a forcé son copain à faire le cochon.

** les seconds n'inspireront-ils pas les Klump et Schlubb de Frank Miller dans Sin City ?

*** soutenue par les remarquables décors de Ken Adam.

Le Voleur de Bagdad

2011-12-14T10:00:00.006+01:00

The Thief of Bagdad, 1940.

La merveille du producteur Alexander Korda*, enchantement anglais du Noël 1941 (et on en avait alors bien besoin !) que la maison Disney pilla allègrement pour imaginer son Aladdin (et Broderbund son Prince of Persia) n'est pas tant un remake du Walsh/Fairbanks de 24 que ça.

En plus de pistes radicalement opposées dramatiquement parlant, il s'en distingue fatalement par son faste technicolorisé (ah les décors de WC Menzies sous les couleurs de Georges Périnal !) et la teenagerisation de sa posture (Sabu rules !).

Il n'en est pas moins un éblouissant chef-d'oeuvre, un titre qui dut ébouriffer plus d'un marmot de dix ans... quid de ceusse nés en 2001 ?**,

par Ludwig Berger***, Tim Whelam

& Michael Powell.

*****

* dont on dit qu'il est le principal sinon l'unique auteur de la chose (avec ses frangins)

** la réponse nous sera donnée par Carlotta,

qui ressort le film sur les écrans ce jour !

*** Powell prétendra que le Ludwig en question ne tournera pas le moindre mètre du film.

Michel Strogoff

2011-12-14T09:00:00.003+01:00

id., 1956.

Bien en veine le Verne, qui voit en ces mid-50's un intérêt soutenu pour son oeuvre qu'on porte alors régulièrement à l'écran.

Après les 20.000 à Disney et le (poussif) Tour du Monde de Todd/Anderson, une coprod européenne (mais française surtout) rend compte visuellement du trépidant trip du courrier du tsar à travers un pays en pleine révolution.

Pas indigne ni infâme (quoique Jürgens ne soit ni assez jeune ni assez alerte pour l'emploi), la production est suffisamment friquée pour fournir du figurant en pagaille et donner ainsi un change correct. On n'en dira pas autant de la pertinence et des choix de l'adaptation qui, entre ellipses, raccourcis et précipitations, nuit bien trop au rythme de l'affaire, à son intensité et à son équilibre (une fin totalement dégonflée !),

par Carmine Gallone.

*****

Country Biopic: Walk the Line / Nashville Lady

2011-12-13T09:41:00.004+01:00

id., 2005.

Le biopic ne jouit pas souvent, dans notre colonne, du meilleur accueil. La faute en premiers lieux à des axes cinématographiques parmi ceux nous touchant le moins et dont la performance d'acteur induite ainsi que l'autoritarisme scénaristique qu'impose naturellement l'exercice n'étant pas à nos yeux vinaigrés les plus ingurgitables.

Soyons honnêtes: le genre en lui même complique fatalement sa propre tâche: rendre compte "artistiquement", "dramaturgiquement" de quelqu'un, d'un épisode, d'un parcours... réels !

Que faire alors ? Se focaliser sur une tranche de vie ? S'en tenir à un axe, une thématique à la symbolique forte (ou, à défaut, appuyée) ? Traquer le fondateur, expliquer ? Saisir l'énergie ou une époque, un contexte ?

Sur le papier, vous voyez bien, j'invente rien: c'est déjà le mess. Seules la soif (parfois sincère) de l'hommage et l'aspiration aux dollars (toujours intacte) doivent faire qu'on s'entiche de la chose, qu'on s'attaque au laborieux labeur. Ou bien c'est à n'y plus rien comprendre.

WtL, aujourd'hui convoqué, enfile pas mal des poncifs craints du genre et ne vaut pas vraiment, quoiqu'on ait pu entendre, mieux que les autres (la preuve: tous ces prix récoltés de par le monde, quant bien même Reese est-elle assez touchante).

Au delà du trauma fondateur traqué et sans cesse rappelé (et ce jusqu'au dernier plan), il court ainsi plusieurs lièvres narratifs à la fois (histoire de se couvrir ?), sûr de sa légitimité et de son bon goût: l'histoire d'amour June Carter/Johnny Cash, la traversée médicamenteuse du chanteur, sa relation trouble et épique avec la chose pénitentiaire,... tout en voulant contextualiser artificielement (anecdotes, noms familiers en arrière-plan à l'appui (les rockers décadents, de Jerry Lee Lewis à Elvis) et force cartons nous situant et dans l'espace américain et dans une chronologie (superflue)).

L'ambition en elle-même n'est pas un reproche, la constatation de sa stérilité au sortir des deux heures commence en revanche à en être un, d'autant que les ralentis signifiants et les tours de passe-passe de montage, sans abonder, finissent par être cependant convoqués, histoire de bien orienter le spectateur et lui indiquer quoi penser ou ressentir... Facilités, ficelles, acting et symbolisme engoncé finissent alors par rattraper le tout et entraver l'affaire comme les chaînes des prisonniers de Folsom... qui a dit que les histoires vraies, au cinoche (fussent-elles prétendues intouchables), c'est toujours moche ?*,

par James Mangold.

*****

* pas Milos Forman, Todd Haynes

ou Gus Van Sant, en tous cas...

mais il sont les seuls à avoir raison !

Coal Miner's Daughter, 1980.

C'est donc Loretta Lynn qui, la première parmi les icônes country, devait se voir biopiquer, avant même son modèle Patsy Cline (qui n'y aura droit qu'en 1984, avec Sweet Dreams)*.

Pas si balourd que ça mais pas bien solide non plus, le portrait de la star n'en montre pas grand chose et n'offre de l'envers du décor qu'un certain pittoresque, guère signifiant. Le quotidien artistique ne s'y ressent pas vraiment, pas plus que les tourments de la chanteuse ne sont véritablement prégnants alors que régulièrement énoncés, avancés. L'approche est ainsi nourri d'intentions, sur-revendiquées, mais dont l'annonce semble être l'unique recours empathique. L'interminable tagline de l'affiche constitue en effet à ce titre un préalable complice, une entente tacite entre le public et le film, qui fait alors l'économie de bien des axes de son thème, puisqu'on serait censé les connaître. Curieusement, inhabituellement, le film passe alors à côté de son sujet. Le portrait ne se fait pas vraiment. D'autant plus qu'il est nimbé d'une naïveté et d'une passivité qui finisent d'en faire une chose tragiquement peu mémorable**... qui se souvenait par exemple qu'on avait quand même coller un oscar dans les mains de Sissy Spacek pour sa "performance" ("performance" qui consistait qu'à 30 ans elle devait jouer une fille de 13 ?) ? ***,

par Michael Apted.

*****

* et, à ce jour, Dolly Parton attend encore ?!

** pour le coup, c'est bien l'humilité du film,

contraire au directif habituel des biopics,

qui le mine et le rend inoffensif !

*** statuette qu'elle ravit à Ellen Burstyn

pour sa performance habitée dans Resurrection.

Honkytonk Man

2011-12-12T23:00:00.003+01:00

id., 1983.

Film-charnière, indiscutablement, dans l'oeuvre clintienne, en ce qu'il annonce la manière, les sujets et les moods futurs (ceux à venir 10 ans plus tard), cette allégeance à la country-culture avance telle un western fatigué, un road-movie sans cesse contrarié, et propose un écho harmonique à la transhumance des Raisins de la Colère. La Terre Promise n'est plus la Californie riche en oranges mais la scène du Grand Ole Opry, Graal de tous les gratteurs (la six cordes remplace le six coups ?) qu'est ce show radiophonique de Nashville*.

Drôle et mélancolique, le voyage** offre ainsi la tranche américaine qu'on en attend et nourrit l'initiatique qu'on devine (jusqu'à l'extra-diégétique: le môme est joué par le fils même d'Eastwood)...

et si les surprises ne vont pas bon train et que l'affaire s'avère assez entendue, c'est une entente savoureuse, au communicatif rassérénant: le trip n'est pas halluciné mais l'Amérique qu'on y trouve, c'est l'Amérique que l'on vient y chercher !,

par Clint Eastwood.

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* voir ici le récurrent de la fixette !

** "sur-américaine" l'itinérant est alors aussi la forme canonique eastwoodienne.

Crazy Heart

2011-12-11T16:00:00.000+01:00

id., 2009.

Définitivement adoubé depuis l'hillbillesque O'Brother* comme incontournable country credibility au générique de fameuses productions à stetsons et six cordes, l'ancien compagnon de route du Dylan électrique T Bone Burnett met ses dollars en plus de son talent au service de ce portrait touchant d'une ancienne gloire, d'un mentor déchu, d'un loser magnifique comme la littérature et la musique seules savent en produire.

Plus subtil et moins déterministe que la plupart des autres illustrations du quotidien countryste proposées jusqu'à ce jour, le film offre surtout, au-delà d'une prévisible (et assez balisée) rédemption façon Wrestler honkytonkien, un belle et patiente immersion, volontiers émouvante, saisissant dans ces creux de récit/de vie une sorte de vérité transpirant du quotidien misérable (parfois) et sensible (tout le temps) d'un homme aussi cabossé que sa Bessie après un tonneau,

par Scott Cooper.

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* les Coen avaient déjà fait appel à lui pour le sound design de Big Lebowski.

La Chèvre

2011-12-09T15:17:00.010+01:00

id., 1981.

La comédie française "d'exotisme", outre quelle soit un créneau chiche, l'est bienheureusement puisque trop peu garni de franches réussites - ainsi n'est pas De Broca qui veut (et même lui, à la longue... *): Oury s'y rompit les dents, Lautner et Zidi ne firent guère mieux de leurs gencives**. La Chèvre (qui ne l'est véritablement, exotique, que lors de son dernier tiers) n'en est toutefois pas (contre toutes attentes ?) le pire représentant.

Certes en privilégiant la mécanique, le déterminisme scénaristique (un argument programmatique ré-énoncé toutes les trois minutes: la malchance reconnaît la malchance), les étroits fruits comiques du contraste immédiat (propre au buddy movie depuis Le Corniaud) - l'efficacité à la Poiré, pour faire court - plutôt qu'en frottant le particularisme de François Perrin à l'entière société (principe plus habituel de Pierre Richard mais que Claude Zidi lui avait également fait perdre) ou en ne traquant pas la certaine poésie du postulat (id.), pour ne tirer, au fond, que sur une unique corde, le film s'épuisera bientôt, perdant lui aussi la pourtant vitale piste de notre intérêt***,

par Francis Veber.

*****

* me semble que son Africain n'ait rien de folichon,

en regard de son Homme de Rio ou de ses Tribulations Verno-Chinoises.

** triste Serpent à Plumes, calamiteux Fous ces Sorciers et confondant Banzaï...

*** intérêt que ni la lamentable partition de Cosma ni la paresse misogyne du script

ne relancent jamais, passée cette belle idée de départ sur la malchance...

La Folie des Grandeurs

2011-12-08T12:46:00.005+01:00

id., 1971.

A aucun moment de La Folie des Grandeurs on imagine Bourvil en lieu et place de Montand - parce qu'il est mort d'une part et parce que, fort de cet état contrariant, Oury et Thompson ont du réécrire leur script ruyblasiste (qui n'a donc plus rien d'ohbenditedonquien).

En revanche on voit bien, au point que cela finisse par être une sensation dramatiquement envahissante, ce qu'un Belmondo aurait fait de ce rôle, de Blaze: plus dans l'âge (les 50 balais du papet restent délicats malgré l'investissement dont il fait preuve régulièrement pour faire se pâmer Karin Schubert*), plus dans le ton, l'acteur aurait été impeccable dans l'emploi... et se figurer les deux killers de box office qu'étaient Bebel et Fufu à l'affiche d'une même comédie reste une rêverie survoltée que l'histoire de la comédie française ne sera pas parvenue à nous offrir**...

Ce "détail" nonobsté, la facture hybride de la coproduction, sorte de André Hunnebelle meets Enzo Barboni, offre régulièrement le meilleur et propose un ballet de comique autant physique (Montand n'est jamais meilleur que lorsqu'il s'exprime avec son corps) que transformiste (une convention du genre), souvent plus drôle dans sa frontalité et son énergie des espaces (De Funès filmé en pied dans le désert offre une approche inédite de la silhouette de l'acteur, habituellement saisi de manière à occuper tout l'écran***) que lors de ressorts vaudevillesques plus prompts à faire marrer les gamins, qui ne vieillit ni ne s'affadit franchement (malgré la parfaite connaissance de la chose) jamais vraiment (le signe des meilleurs ?),

par Gérard Oury.

*****

* la blondinette, sans doute inspirée par cette séduction mature,

se tournera ensuite vers la pornographie d'obédience cougaresque !

** Alain Poiré avait pourtant produit et Le Cerveau

et Les Mariés de l'An 2 (sorti cette même année 71)

pour pouvoir imaginer une telle alchimie...

*** la comédie française, héritière du boulevard et trop au service de la vedette,

est (majoritairement) un genre de plans moyens qui n'appréhende

que rarement la pleine potentialités des ses espaces (même en extérieurs !).

Les Aristochats

2011-12-07T18:00:00.002+01:00

The Aristocats, 1971.

Si elle est aujourd'hui la moins considérée, toutes proportions gardées mais à juste titre (quoique à notre sens il puisse disputer ce rang avec Merlin l'Enchanteur ou Robin des Bois), des réalisations de Woolie Reitherman, Les Aristochats eut cependant longtemps une cote publique indéniable (16ème place au box office français par exemple).

Pourtant, ne serions-nous portés par une nostalgie toute enfantine (je suis quasiment né* avec ce film) qui le fige dans notre culture comme Tour Eiffel en boule à neige, force nous sera de reconnaître combien ce titre accumule en définitive les faiblesses.

Techniques tout d'abord (l'économe réalisateur, l'un des plus fameux Nine Old Men de Walt, remisant la camera multiplane et gommant ainsi tragiquement toute profondeur de champs (voir les déplacements du notaire chez Madame de Bonnefamille ou les oies se dandinant presque en sur place !) et réutilisant plusieurs fois les mêmes séquences animées (les oies again, mais aussi le petit Berlioz jouant au bad guy feulant))...

Narratives aussi (peu d'enjeux, vagues resucées de scripts antérieurs (La Belle et le Clochard meets Les 101 Dalmatiens ?) et, pour finir, d'ordre plus « charismatique » (Edgar fait un villain au rabais, loser jamais inquiétant, toujours ridicule).

Bigre.

N'en demeurent pas moins -attention !- d'évidentes qualités, musicales en premier lieu (si le rythme du film peine singulièrement, celui des chansons (qu'elles soient des Sherman brothers ou de Huddleston/Rinker) tourne à plein régime) puisque certaines séquences furent intégralement conçues sur la base du matériau préalablement livré par les compositeurs, mais aussi de « casting ». Si le majordome pèche donc un peu comme grommelé plus haut, les seconds rôles « comiques » (ou non) sont, eux, à la hauteur des productions « historiques » (les deux clébards militaristes et drôlissimes Napoléon et Lafayette en tout premier lieu) et se trouvent souvent au coeur de séquences parfaitement enthousiasmantes (écoute trompette !...), même si faiblement enchâssées les unes avec les autres.

Ah bon. Ouf. Dites !

Le mood général enfin prévaut plus que tout (à l'instar du Livre de la Jungle, parfaitement réussi toutefois dans tous les registres, lui !), fort de ses plans nostalgiques d'un Paris désert, de la plastique propre à la Reitherman's touch (nombreuses traces de crayonnés demeurent à l'écran, apportant une matière particulièrement chaleureuse), des fugaces allusions germanopratines et jazzy de l'ensemble et de l'encanaillement général qui est un temps proposé (puisque, morale oblige, c'est l'apache qui s'embourgeoisera finalement et non l'inverse !),

par Wolfgang Reitherman.

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* car nous vînmes au monde, oui !,

à équidistance des sorties américaines et française

(cette dernière ayant 40 ans tout ronds ce jour) !

A lire absolument: Zuzu Disney

Une Soirée d'Enfer

2011-12-07T17:04:00.011+01:00

Take Me Home Tonight, 2011.

La teen comedy lorgnant dans le rétro 80 commence à être un créneau bien (par trop ?) occupé. Après La Machine à Remonter le Temps et surtout le doux-amer Adventureland, nous revoici encore plongés en pleines années falcoïdo-inéxessiennes à retricoter les questionnements d'usage Huguesiens. Même contemporains et activistes de la décennie (et du cinéma concerné), on sera autorisé de se lasser.

D'autant que ce post-Ferris Bueller* nostalgique-ci n'offre pas souvent le meilleur (allez quoi ? la séquence de l'arrestation ? quelques seconds rôles bien dans le ton ? et après ?) et irrite même volontiers, à tant appuyer sa contextualistaion (un générique et une séquence de prologue pénibles).

Pour le reste, entre casting ramenard (même le contre-emploi Faris fait pschitt), motifs et situations exsangues à force de sollicitations** et une modélisation du genre poussée jusqu'au stérile, difficile de dégager un simple film, ni même un honnête (ce qui, au vu de l'argument du plot, est un comble !),

par Michael Dowse.

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* jusque dans sa friction paternalo-automobile.

** il faut dire que le film s'est égaré quatre ans entre son clap final et sa sortie !?

Les Fabuleuses Aventures du Légendaire Baron de Münchausen / Le Secret des Sélénites

2011-12-07T09:00:00.011+01:00

id., 1978.

Madeleine enfantine ayant grave subi les outrages du temps, cette énième version du barré baron, mytho de première, Quichotte germain, ayant inspiré les plus grands du siècle dernier (de Méliès à Gilliam en passant par Goebbels) s'avère le faite de la carrière du père Image, mais l'occasion de se figurer aussi que, loin derrière Grimault et même les studios troussant les Asterix "contemporains" (Les Douze Travaux... sortaient deux ans plus tôt !), le brave homme n'avait finalement qu'un certain charme à opposer au grand Disney -dont il voulait être l'équivalent français.

Technique approximative, sens du rythme discutable, faiblesses budgétaires..., sont au programme d'un titre vieilli, pas personnellement dépositaire de l'univers qu'il expose (tout était et dans les textes originaux et dans les gravures des différents et illustres illustrateurs (Doré inclus) qui collaborèrent aux aventures éditoriales de cet autre Münch'), et dont on conçoit aisément pourtant tout le potentiel... ça peut moisir les madeleines ?,

par Jean Image.

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id., 1982.

Soutenu par Antenne 2 (ses propres deniers n'y suffisant plus), Image s'embarque dans une suite au Baron proprement télévisuelle (le film sera décliné/dévellopé en une mini-série) qui fait relativiser les approximations de ses oeuvres précédentes et les replacent au niveau de l'artisanat charmant.

Ici, si tout demeure très brouillon (une patte décidément) et fait d'économies voyantes (des cellullos d'animations du premier épisodes réutilisés ici sans vergogne), l'habillage sonore trahit un changement d'époque. Shuky Levy et Haïm Saban (signataires des BO d'Ulysse 31, des Mystérieuses Cités d'Or ou de Jayce et les Conquérants de la Lumière) nivellent ainsi effectivement le particularisme de l'oeuvre pour la faire entrer dans les canons télévisuels de ce que seront les années Récré A2/Salut les P'tits Loups.

Cette rupture philosophique soulevée, le fond du problème demeurera identique à celui pointé lors du premier volet, doublé ici d'une redondance exaspérante dans la structure dramatique et dans l'équilibre des péripéties, qu'un surplus d'univers (lunaire) ne saura faire négliger... bref on s'emmerde.,

par Jean Image.

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Un DVD Carlotta

Ton Vice est une Chambre Close dont Moi Seul ai la Clé

2011-12-05T17:00:00.002+01:00

Il Tuo Vizio è una Stanza Chiusa e Solo io ne Ho la Chiave, 1972.

Au risque de scandaliser les gardiens enamourés du temple giallesque, sans doute tenons-nous là, avec Ton Vice est une Chambre Close... le moins bon des Fenecho-Rassimoviens titres de Sergio Martino (notre préférence à ses autres Vices, colorés ou étranges).

La faute sans doute à une inutile allégeance Poesque (encombrante (et peu honorable: pardonne-leur Edgar Allan !) trame du Chat Noir qui parasite tonalités et enjeux habituels du genre).

Pour le reste, l'amateur de saphisme à soupirs, d'aréoles dévoilées dans un gémissement post-synchronisé et de gorges tranchées avec la sauvagerie pop - qui s'impose pour qui possède rasoir effilé et gants cirés - ne sera pas trop décontenancé, pas plus que le familier des tiroirs sans fins, des twists à perruques et des roulements d'yeux hagards lorsque l'horrible et impensable vérité se fait jour... l'esthète toutefois, aussi désinvolte puisse-t-il être (de saligaud), regrettera possiblement le trop peu de baroque et le chiche en séquences virtuosément troussées (belle séquence "finale" à moto toutefois) qui complètent habituellement le complaisamment graphique genre,

par Sergio Martino.

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La Soupe aux Choux

2011-12-02T10:00:00.006+01:00

id., 1981.

Phénomène plus télévisuel que cinématographique (le box office DeFunèso-ovniphile lui ayant préféré le calamiteux pénultième volet des Gendarmes !), cette fantaisie flatulente, ufo-friendly et réincarnante peine régulièrement à remplir son office et à dépasser la strate sénile/infantile de son sujet mais à enfermer également le titre dans une franche artificialité.

La faute en incombant, entre autres, à un Fufu complètement à côté de son personnage (pas une ligne prononcée qui ne soit dedans tandis que le "jeune" Carmet, pas du tout impressionné par le monstre du rire (subclaquant pourtant), envoie chacune de ses répliques à lui avec la force, la conviction et la justesse qu'une familiarité avec l'univers lui facilite (il est même un intime de l'auteur ici adapté depuis une paye !)).

La poésie de la chose y sera par ailleurs malhabile, la langue mal amenée (donc), la tendresse complaisament alimentée, l'enjeu bien moins supporté que par cette autre Falleterie que sont Les Vieux de la Vieille par exemple... et la musique proprement abominable.

Reste, modeste consolation, aux fans de Christine Dejoux l'occasion de remercier une fois encore l'inventeur du bikini.

par Jean Girault.

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Brainstorm

2011-11-29T10:00:00.009+01:00

id., 1983.

On ne peut plus Crichtonien et préparant le terrain de Strange Days, ce thriller scientifique (qui ne manque pas d'évoquer aussi l'Altered States de Ken Russell, calanché hier tiens !) finit par pêcher cependant par excès de sens et de symbolisme et par de désagréables ruptures (de ton: le comique de la chaîne de montage devenue folle est par trop cartoonesque, d'enjeux: le film perd bigrement de sa force l'heure d'intrigue atteinte). Ruptures possiblement dues à la disparition soudaine (elle ne finira pas le tournage) de Nathalie Wood qui, visiblement, avait, en plus que le même mari que Jill St. John, le même moniteur de natation que Jeff Buckley,

par Douglas Trumbull.

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NB: Christopher Walken se montrera particulièrement "branché" "visions cérébrales" en cette année 83, son autre film à sortir lors de la saison étant alors le Dead Zone de Cronenbreg !

Bernard et Bianca au Pays des Kangourous

2011-11-27T09:19:00.001+01:00

The Rescuers Down Under, 1990.

Première séquelle de l'histoire Disneyenne (alors en plein creux de vague 80's*), stérilement graphique (que de vain gigantisme et de (laids) recours infographiques) quoique débarassée de plombantes chansons (audace déjà remarquée chez Taram et à retrouver dans Atlantide... pour un tiercé de retentissants bides ?!) autant, hélas, que du moindre intérêt,

par Hendel Butoy & Mike Gabrile.

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* pleine période traitée par le documentaire

Waking Sleeping Beauty, dont nous parle Raphaël ici.

Rox et Rouky

2011-11-25T08:37:00.016+01:00

The Fox and the Hound, 1981.

Etonnante mise en abîme à l'écran des tracas générationnels qui secouaient alors la maison Mickey (euphémisme de dire que le relais entre dessinateurs se transmettait dans le chaos le plus total*), au coeur d'un film toutefois exagérément larmoyant, faiblement drôle (le running gag des deux piafs et de la chenille offre peu à rire, en plus d'être pompé sur Merlin !) et décidément trop peu inventif (oldschoolissime, Bambi y est ainsi là lui aussi consciencieusement dépouillé) pour être tenu, malgré un climax ursidé de correcte intensité, pour une franche belle affaire**,

par Art Stevens, Ted Berman & Richard Rich.

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* les derniers vieux claquent la porte, mécontents (Woolie Reitherman), et les petits jeunes (Don Bluth en tête) prennent la tangente tandis que les héritiers familiaux tentent le putsch artistique (en plus de l'économique, déjà bien en place)...

** reste qu'au-delà du passionnant des causes historico-technico-philosophiques du ratage s'amusera-t-on de savoir encore que Tim Burton, alors intervalliste à Burbank, usa ses pinceaux sur certaines séquences...

Le Phare du Bout du Monde

2011-11-24T19:00:00.009+01:00

The Light at the Edge of the World, 1971.

Conservant la rare violence du texte original de Verne (des naufrageurs dégénérés* s'emparent d'un phare isolé et massacrent à tout va les victimes occasionnées, avec la plus insoutenable des cruautés), Douglas, qui se paye avec ses propres deniers (une coprod Bryna, signée avec la France et l'Italie) un deuxième voyage extraordinaire chez Jules, ne manque pas au passage de malmener son image.

Torturé, manipulé, humilié, laissant femme se faire violer et amis massacrer sous son regard impuissant, l'homme endosse tous les oripeaux de l'anti-héros (ou plutôt du "héros réaliste"). Et même s'il reprend un peu de superbe à résister à une curieuse chasse zarofienne lancée contre lui, ses principales victimes seront les éléments les plus faibles parmi ses ennemis (et il n'est que pour bien peu dans la victoire finale !)... Un long moment (à peine soutenable) de masochisme, en somme, fascinant à ce titre**... et loin de chez Disney !,

par Kevin Billington.
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* parmi lesquels JC "Thierry la Fronde" Drouot n'est pas le moindre !

** quoique Joe Dante, alors encore critique à Video Watchdog,

déplore le peu d'humour de l'entreprise...

NB: le film, youtubé.

Les Bidasses s'en Vont en Guerre

2011-11-23T09:00:00.003+01:00

id., 1974.

En dépit d'un tardif argument pris dans l'actualité (le hiatus paysannerie/armée française qui agite le Larzac d'alors), d'un pompage de tous les gags à succès de Chaplin aux 101 Dalmatiens (en passant par le filtre bédéphile* (qui n'a pas vu Averell le goinfre dans ce dadais de Phil ?)) et de dérivations scénaristiques cache-misère (la scène des cravates à JP Farré), voici un titre qui ne reprend pas les choses où elles avaient été laissées trois ans plus tôt, mais qui, tout bonnement, les réinvestit avec redondance mais sans plus de scrupules que ça et rejoue l'air de la poétique bidassière forte de tous ses motifs à base de barreaux, de corvées, de cul nu et de cheveux autoritairement coupés (l'ouverture du film, de très loin la meilleure séquence !**)... le tout sans l'amer cynisme opportuniste d'un Clair ou d'un (futur) Vocoret,

par Claude Zidi.

*****

* et gentiment puérilo-scato.
** avec la partie "doloriste" de la démonstration
de secourisme... et l'affiche !

NB1: l'amateur éclairé (et qui, pour cela, m'fr'ra huit jours !) se remémorera sans doute qu'on revit nos sémillants Bidasses avant ce présent film, pour un drôle de caméo, l'année précédent ce Zidi-ci, dans Je Sais Rien, Je Dirai Tout, la tout à fait recommandable comédie de de Pierre Richard.

NB2: sort ce jour le tout à fait enthousiasmant documentaire de Christian Rouaud Tous au Larzac, quatrétoilé par nos soins, et ce malgré l'absence d'un article pour étayer le nôtre engouement (c'est moche)...

Le Survivant

2011-11-23T08:00:00.005+01:00

The Omega Man, 1971.

Malgré des efforts notables pour moderniser son image de vieux réac (il s'envoie ainsi le Woodstock de Michael Wadleigh en jurant ses grands dieux - et sans une once d'ironie - que "ça c'était du cinéma !", cite TS Eliot et vante une sexualité libérée), Charlton (dont le projet fut porté par lui seul*) ne manque toutefois pas (on ne saurait se refaire !) de jouer de la gâchette à la moindre occasion.

Cette ambivalence s'avère toutefois au diapason des enjeux du film, entre technophobie de saison (les early-70's de la SF creusant volontiers ce sillon !) et rédemption autoritaire.

Dramatiquement tout est plus confus (les libertés prises avec le texte original, malgré une plus-value dans le spectaculaire** sont la cause de bien des déséquilibres dramatiques, de coquilles dans le déroulé) et le tout (emphatique, dogmatique, démonstratif... et musicalisé comme un épisode de Starsky et Hutch) a bien vieilli,

par Boris Sagal.

*****

* dans l'ignorance du brillant préalable de Vincent Price...

** parmi lesquelles de bien graphiquement franches pour un film de major (WB) !

L'Art d'Aimer

2011-11-23T07:30:00.000+01:00

id., 2011.

Plus près de l'Alexandre Jardin du Zèbre et de Jacques Sternberg (Histoires à Dormir sans Vous) que de Marivaux ou de l'Ovide évoqué, un entrelacs de vignettes (supérieures à l'exercice chez Ribes, Thompson mais pas Podalydès) sur la pâmoison, le désir et l'enclin (le dada mignon de Manu), fatalement inégal - malgré la régulière élégance et la bienvenue retenue (malgré l'économie, tous les poncifs ne sont pas pour autant évités) - mais aussi passablement artificiel à trop filer programmatiquement au train du romanesque et du cliché moral,

par Emmanuel Mouret.

*****

The Green Hornet

2011-11-20T09:00:00.004+01:00

id., 2010.

Sans doute, et en dépit de toutes les rumeurs qui courent sur la production (Gondry et Rogen tirant le projet de leur côté, le second -producteur !- l'emportant) et du coup, le peu de gondrytude aisément identifiable dans l'objet final, nonobstant plus largement la défiance assez générale dont il a souffert, ce Sup-H movie-ci réussit-il pourtant ce qu'un Kick Ass (si exagérément vanté) sabote par excès de roublardise, par contre-productif mésamour du genre. A savoir un pastiche sincère, manipulant autant l'iconoclaste, moquant le cahier des charges du crédo batmanien (trauma familial fondateur, découverte des responsabilités, etc.) qu'affichant sa gourmandise nostalgique à l'égard d'un matériau initiateur pour d'aucuns*, et s'avère ainsi l'un des tous meilleurs représentants du mouvement, le plus riche en occasions de bananes en travers de la figure... sensation raréfiée depuis le premier Spiderman !, non ?,

par Michel Gondry.

*****

* une sincérité déjà repérable dans Be Kind Rewind.

Crazy Stupid Love

2011-11-18T09:00:00.001+01:00

id., 2011.

Malgré le parfaitement réjouissant de certaines séquences, à la bravoure certes affichée (celles relevant de la mécanique de comédie la plus pure), cette énième promesse de romance subversive, de crise des moeurs provocante (et de singularité miraculeuse pervertissant un genre souvent trop sage !) rejoint finalement penaudement le rang de la morale sauve* et de la bienveillance triomphante (pouah le final !)...

... ce que même une série comme How I Met Your Mother parvient à régulièrement repousser (Barney Stinson rules !)...

... reste au crédit de l'affaire une poignée d'acteurs authentiquement savoureux, entre routards se ridiculisant (Bacon, Tomei), jeunes pousses prometteuses (Bobo, Tipton), valeurs sans cesse montantes (Gosling, Stone, parfaits)... et Carell, évidemment, qui d'un seul "what ?!" peut toujours vous foutre une salle de cinoche à quatre pattes de rire,

par Glenn Ficcara & John Requa.

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* ce dont ne s'affranchit pas toujours non plus les prods Appatow, cela dit...

Schizoïde

2011-11-15T20:00:00.001+01:00

Schizoid, 1980.

Piètre production à l’esthétique de téléfilm absurde et paresseux qui s’applique à enchaîner – malgré un casting « alléchant » (Craig Wasson, Christopher Lloyd, Marianne Hill et… Herr Klaus Kinski) - des séquences où l’ennui le dispute régulièrement au ridicule le plus millésimé, offrant en outre une copie fort laide (bouleversant l’échelle plastique, elle ferait passer Maniac pour Seven) et des enjeux bien entendu vite barbants (même si le film tourne au petit whodunit, alors qu’on croyait bien que c’était le barré KK le coupable !),... le tout pinçant tragiquement le sous-dePalma.

Pas méchant, pas malsain, ni bis ni weirdo, ni franchement Z… rien en somme pour alimenter un culte quelconque.

Exceptée peut-être cette dernière réplique, comme un tardif sursaut: "Espèce de naziiiiiiii, tu as osé voler ma feeeeeeeeme: je vais te tueeeeeeeer !",

par David Paulsen.

*****

Saint

2011-11-15T10:00:00.004+01:00

Sint, 2010.

Sous haut parrainage Carpenterien (Fog et Halloween en tête), une sorte de slasher néerlandophile mené (au moins dans son exposition) avec le plus grand soin, la plus réjouissante des générosités (on se prend, au détour d'une lame traversant une nuque pour ressortir par la bouche, à repenser à Peter Jackson, première manière) et la plus soucieuse des honnêtetés (comme il est plaisant de voir un film de ce genre dégraissé de tout second degré auto-proclamé !) qui, s'il ne tient pas ses promesses jusqu'au bout (un dernier tiers nettement plus faible), demeure une agréable surprise, pleine de fraîcheur alors qu'elle avance sur un terrain depuis longtemps balisé (épuisé ?),

par Dick Maas.

*****

Sortie DVD/Blu Ray le 15 novembre 2011

Madame de...

2011-11-12T09:00:00.010+01:00

id., 1953.

Bien élégante adaptation de Vilmorin, façon ophulsienne (mélodramatique donc) d'"affaire des boucles d'oreilles de la comtesse", à la classe toute anglo-saxonne (plus qu'étroitement française en somme), à la mise en forme sensationnelle (mouvements ! esthétique !), aux compositions remarquables (le trio d'acteurs fait des merveilles) et aux séquences, dialoguées par Marcel Achard, toutes plus délicieuses les unes que les autres (ah ! les fameux et bouleversants "je ne vous aime pas" dits sur la porte que Darrieux referme sur son amant aux tempes blanches),

par Max Ophuls.

*****

NB: une édifiante analyse de Vincent Amiel.

Les Chaussons Rouges

2011-11-09T23:00:00.008+01:00

The Red Shoes, 1948.

Est-ce par cristallisation stendhalienne que P&P devaient faire s'enchaîner Le Narcisse Noir et Les Chaussons Rouges ?

Qu'importe l'éventuel (et peu probable) hommage chromatique, le merveilleux mélodrame des "deux archers" est en tous points un chef-d’œuvre digne (toutefois) d'Henri Beyle, et au sein duquel brille par dessus tous l'incroyable Anton Walbrook (inspiration de tous les De Niro et Sean Penn du monde ?). Ce qui ne constitue pas une paille en regard de l'intense composition de Moira Shearer.

Masterpiece absolue, gigantesque, morceau d'une modernité folle et spectacle visionnaire, miracle fascinant, acte de foi cinématographique... le genre d’œuvre (carrément chef-) qui vous fait ne pas regretter de tant consacrer votre existence à la pelloche: à voir beaucoup de films, on n'est ainsi donc pas à l'abri de tomber parfois sur du cinéma.

par Michael Powell & Emeric Pressburger.

*****

NB: un DVD/Blu Ray indispensable édité

par les inénarrables (décidément) services de Carlotta.

Contagion

2011-11-09T22:03:00.005+01:00

id., 2011.

Télévisuel à plus d'un titre (graphiquement impersonnel* et zappingesque comme un network, le script eut été sans aucun doute mieux employé dans le cadre d'une série), dérangeant dans ses positions philosophiques (moraliste, hygiéniste, isolationniste**, le film impose sa triste logique***: tout contact avec "l'autre" s'avère fatal...), anachroniquement pamphlétaire enfin (Romero ou Pakula s'en seraient-il mieux sortis ?) en plus d'être assez ennuyeux et plus roublard que virtuose, cette grande fresque paranoïaque et Soderberghienne-là, malgré l'à-propos de son anxiogène sujet et son indiscutable morgue non-SF (encore que le courant "anti-spectaculaire" soit amorcé depuis quelques mois avec des titres comme District 9 ou Monsters****), laisserait presque croire que le réalisateur cherche à se poser en un parfait anti-Lars Von Trier: brillant dans la vie et bien balourd à l'écran ?*****,

par Steven Soderbergh.

*****

* la dialectique plastique de Traffic nous avait déjà fait grimacer !

** et c'est, bien sûr, la ténébreuse et srasseuse Asie qui est le foyer !

*** en même temps force est de reconnaître

que nous ne sommes que rarement embarrassés

par des dispositifs tout aussi radicaux

qu'impose parfois le cinéma d'horreur !

**** mais avec soixante quinze fois moins de budget, aussi !

***** l'un incarnant toutefois le sadisme et l'autre le masochisme !

L'Esprit s'Amuse

2011-11-09T15:00:00.004+01:00

Blithe Spirit, 1945.

Deux ans avant d'être celui de Mme Muir Rex Harrison se voit donc flanqué d'un fantôme (...), au détour d'une séance de spiritisme dont la fantaisie même (Margareth Rutherford, à pleins tubes !) innerve tout un métrage, charmant, Cowardien et so british, occasion pour Lean et son chef op' Ronald Neame de faire un film coloriste plus qu'en simples couleurs (what an explosive technicolor !)*, aussi élégant, délicieux que passablement désuet...,

par David Lean.

*****

* un comble d'ailleurs: c'est le deuxième film en couleurs des deux compères, qui retourneront pourtant illico au N&B pour les dix années qui suivent, estimant ne pas avoir fait le tour plastique et lumineux de la bichromie !

NB: un film à retrouver dans le remarquable Coffret Carlotta consacré aux "Premiers Chefs d'Oeuvres" du réalisateur, sous la supervision éditoriale de Pierre Berthomieu, qui préface ici ou documente là, au gré des six disques de l'indispensable et édifiant objet.

Compartiment Tueurs

2011-11-09T08:00:00.009+01:00

id., 1965.

Efficace, grisante, la première manière de CG est bien loin des pamphlets politiques à venir* (malgré le pléthorique commun de la distribution) et s'avère d'une vivacité, d'une écriture (scénaristique mais plastique également), d'un rythme proprement enthousiasmants qui, bien que les deux films n'aient pas nécessairement à étroitement voir ensemble, rejoint l'Ascenseur pour l'Echafaud de Louis Malle parmi les plus intenses contributions au polar à la française (faut-il y ajouter les primes Sautet ?),

par Costa-Gavras.

NB: un film scandaleusement invisible (hors youtube ou pire), au fait.

*****
* le réalisateur exilé et l'acteur Montand
(calanché v'là 20 ans ce jour)

collaboreront dans l'impliqué créneau
une bonne dizaine d'années.

Robocop

2011-11-07T10:00:00.000+01:00

id., 1987.

De Verho on retiendra volontiers le sarcasme, la noirceur de la satire qui innerva longtemps son cinéma. En régulier symbole de ce mauvais esprit on retrouve d'ailleurs ici l'agressif et envahissant motif publicitaro-télévisuel de médias omniprésents dans des régimes guère démocratiques (cartels, consortiums et consorts) et à l'entreprenariat largement fascisant*, traitant de drames humains avec le plus parfait désintéressement, comme une simple info de plus.

On n'oblitèrera pas plus, au sein de la manière, la brutalité graphique qui vaudra au réal' son surnom si peu galvaudé d'Hollandais Violent.

Concentré d'action, brûlot à l'efficacité redoutable, la redécouverte de cette première contribution américaine que constitue Robocop pour le récent exilé ajoutera à la touch de Paulo le fréquent simplisme et le régulier univoque de son dispositif, tendant fatalement vers un complaisant volontiers gourmand.

Focussé ici à livrer un nouvel héros, à brosser du mythe (et à fustiger bravachement la corruption et le fascisme latent de la société décrite (promise ?)), le script accuse bien des faiblesses dans ses ramifications dramatiques (mais aussi, un comble !, politiques) et plombe, à trop vouloir mener son spectateur par le bout du nez frémissant, un tantinet l'ambition globale. Des scories qu'on connaît bien (et passe aisément) dans le cinéma bis ou d'exploitation, mais qui surprennent davantage ici.

Ainsi si chez un autre goguenard aussi prénommé Paul (Bartel**), ces défauts font charme, on grince un peu plus des dents à voir les manques du Z perdurer avec budget de A (enfin... de A-),

par Paul Verhoeven.

*****

* vu ici et revu dès Total Recall puis Starship Troopers,

quasi architecturalement, comme écho au quotidien du moindre spectateur.

** comment ne pas penser à la vacharde Course à la Mort de l'an 2000 ?

Au Prix du Gaz

2011-11-05T09:00:00.005+01:00

id., 2011.

Documentaire "localo-local" qui, bien que frottant au crépi des mêmes écueils de construction, de distance, de mise en perspective et de point de vue que cet autre témoignage, cette autre mémoire d'un "traumatisme-régional-symptomatique-d'une-histoire-plus-vaste" - à croire que plus on est près, moins on trouve sa place (ce que confesse d'ailleurs quasiment ici l'auteur dans un préambule/CV coupable et réussi mais sans véritable écho dans le propos à suivre) - se solde bienheureusement par un assez juste et touchant état des lieux (d'hommes un genou à terre mais aussi d'un site, d'un pays, d'une économie, d'une culture et d'une histoire), une sorte de tragique post-scriptum désenchanté mais digne (debout comme les hommes décrits) aux réalités assourdissantes enregistrées en son temps (et en d'autres lieux pourtant si identiques !) par Louis Malle,

par Karel Pairemaure.

*****

NB: projection le 5 janvier 2012, 9h00, au cinéma Le Majestic de Montmorillon,

organisée par la Cité Scolaire Jean Moulin.

puis en sélection au Festival Point Doc

(15 au 29 janvier 2012),

Premier Festival en Ligne de Films Documentaires d'Auteurs.

Souscription DVD encouragée chez engrenage.org.

Le Château des Morts-Vivants

2011-11-02T10:00:00.003+01:00

Il Castello dei Morti Vivi, 1964.

Gothiquerie internationale (pourtant finalement distribuée exclusivement en Italie ?!) et pour le moins curieuse, n'offrant surtout que des surprises de casting (le double rôle du débutant Sutherland, Lee bien sûr, mais aussi l'Arlequin tenu par un Peter Lorre du pauvre) et de possibles contours à des oeuvres et personnages futurs (le valet Hans pourrait bien avoir influencé celui campé par Richard O'Brien dans le Rocky Horror Picture Show), le reste étant, malgré des décors au baroque indiscutable (les statues) et le délétère de certaines caractérisations (la grotesque police de couards et immoraux soudards post-napoléoniens), un tout petit peu trop anecdotique,

par Luciano Ricci & Lorenzo Sabatini.

*****

NB: un DVD Artus parmi les plus confidentiels,

analysé plus largement par votre serviteur, sur KINOK.

Gimme Shelter

2011-11-01T12:48:00.001+01:00

id., 1970.
Intense et bluffante mise en perspective d'un groupe (le plus grand du monde) contribuant sans le mesurer à rien moins que la mort des 60's (qui survient sous les coups de couteau des Hell's Angels dans le dos de Meredith Hunter au concert gratuit et bordelique d'Altamont). Le Flower Power tôt fané, la mégalomanie infantile normée, le business depuis longtemps installé sans plus se soucier du sens du show, que reste-t-il à prendre encore dans la gueule ? Le rock'n'roll, la musique, intacte malgré les interruptions, magistrale malgré les caprices, immortelle en dépit de la stupidité naïve et irresponsable de ses auteurs... et un film, un film puissant, intense, plein d'une acuité et d'une force évocatrice indéniables,

par Charlotte Zerwin,

David & Alberts Maysles.

*****

Horreur dans la Ville

2011-10-31T20:00:00.000+01:00

Silent Rage, 1982.

Curiosité aussi hybride qu'arythmique, capitalisant sur le high-kick de son moustachu disert (ici porté au menton de bikers d'opérette flanqués de pépées promptes à soulever le t-shirt) mais surfant aussi (?!) sur la vague du psycho-killer initiée par Halloween (gros usage ici de la steadycam subjective et régulier recours, par Peter Bernstein, de nappes synthétiques), débouchant sur une production (peu argentée et aléatoirement inspirée) étrangement gaulée (les univers, séquences, clins d'yeux (Whale, Scorsese, Carpenter) et tonalités sont assez imperméables) quoique suffisamment et naïvement déterminée pour qu'on cède honteusement à sa paresseuse dégustation (comme tout Chouque de l'âge d'or 78-83 ?),

par Michael Miller.

*****

La Chatte sur un Toit Brûlant

2011-10-30T20:00:00.002+01:00

Cat on a Hot Tin Roof, 1958.

Bien qu'évacuant tout le pan homosexuel du matériau originel (le Code Hays tenait là serré la queue du chat) et ayant été enfantée dans la douleur (production refilée de mains en mains, Taylor veuvant en plein tournage), une emblématique adaptation de l'hystérie façon "famille-je-vous-hais" propre à Williams (dont je vous rappelle que nous avons tous en nous quelque chose), portée par un chaud/froid interprétatif (l'underplaying stanislowskien de Newman et la retenue suspecte d'Elizabeth finissent par voler en éclats bruyants et furieux) et une tension sexuelle aussi intense que chez Mank, qui n'oblitèreront pas cependant lourdeurs et maladresses (la première moitié, assez irritante, ainsi que les portraits hâtifs et caricaturaux (la belle-soeur !))... pourtant, au final et comme par miracle, on adhère !?,

par Richard Brooks.

*****

Hot Shots !

2011-10-30T11:00:00.003+01:00

id., 1991.

Tandis que la sécession* s'est fait derrière la caméra (mais pas à la production !) et que seul le A des ZAZ signe plastiquement l'affaire, c'est l'expert Pat Proft qui, lui, assume l'avalanche inégale mais interrompue de gags "academyques"** de cette (systématique) parodie topgeuneuse, culte pour quelques uns, vieillie pour le plus grand nombre (au point que les amateurs préfèreront sans discussion le lieutenant Frank Drebin à Topper Harley... Proft, lui, s'en fout: il émarge aux scripts des deux "héros"/licences !),

par Jim Abrahams.

*****

* ainsi David Zucker creuse de son côté la franchise Y'a-t-til un Flic... ?
qui en est déjà, en 91, à son deuxième opus.

** le gugusse est un vieux routier du genre depuis Police Academy !

Papa, Maman, La Bonne et Moi

2011-10-29T23:30:00.006+02:00

id., 1954.

D'abord plaisante (et fort drôle) chronique de moeurs d'un immeuble parisien, dotée un temps d'une aimable sociologie verticale (et à l'occasion de laquelle brillent bien des tempéraments (De Funès, Tissier mais aussi la toujours impayable Dominique Davray)), la fantaisie de Papa... s'empêtre bientôt (à une heure de temps) les pieds dans le tapis du bon sentiment (jusqu'à un final enchaînant les préchi-préchas), qui affadit une oeuvre enlevée et pétillante (la touch du regretté Lamoureux, à n'en pas douter*) pour la mener vers un moralisme vertueux, à la générosité maladroite et à l'académisme envahissant alors de plus en plus - en un diapason formel ? - chaque minute qui passe**,

par Jean-Paul Le Chanois.

*****

* même si on ne saurait nier à Le Chanois son taux de malice,

son doux enclin à la satire bon enfant !

** ce qui ne refroidira pas l'audience puisqu'une suite sera

mise en chantier dès l'année suivante !

L'Apprenti Salaud

2011-10-29T19:30:00.003+02:00

id.*, 1977.

Est-il légitime de considérer les escrocs comme les aristocrates de la délinquance ?

Loin des petites magouilles aux assurances ou aux caisses d'allocations, j'entends bien sûr les perfectionnistes qui portent leurs efforts à un degré imposant l'imagination mythomane - et l'érudition ad hoc - autant que l'investissement préalable et éventuellement arachnéen (comme dirait Arielle Dombasle en toutes occasions) et un aplomb spectaculaire pour se frotter sans frémir ni ciller à son public de victimes (et moins la victime est aisée à berner meilleure est l'entourloupette, cela va sans dire mais ça va mieux en le disant).

Je ne dis pas pour autant avoir de l'admiration pour ce type d'escroc mais, à tout le moins, j'en apprécie le sérieux du travail et me montre convaincu que le récit de leurs forfaits a toutes les chances d'être captivant (même si possiblement artificiel dans le cadre de la fiction).

Ainsi de L'Apprenti Salaud.

Lorsqu'il tourne L'Apprenti Salaud Michel Deville n'est pas encore ce cinéaste de l'érotisme intellectuel, de la sensualité cérébrale et théorisée, que des films comme Péril en la Demeure, Le Paltoquet, La Lectrice ou Nuit d'Eté en Ville feront de lui, à nos yeux, sa deuxième partie de carrière (son licencieux était plus naturel aux côtés de Nina Companeez !).

A cette occasion il fait appel, en un pari assez étonnant, à Robert Lamoureux (calanché ce jour, à Neauphles le Vieux et 91 ans), tombeur des box-offices goûtant le comique-troupier avec sa toute récente trilogie de La 7ème Compagnie (et son addenda Opération Lady Marlène). Loin du registre que le cinéaste lui soumet Lamoureux fait lui aussi preuve d'audace en prenant le risque du rebrousse-poil auprès de son public - ce rôle étant son ultime au cinéma**, on peut se demander si le risque fut fatal au comique et s'il ne vécut pas là sa fernandelienne Auberge Rouge à lui ("le cinéma d'auteur désormais ce sera sans moi !").

L'acteur y sera néanmoins parfait (à l'instar de JP Kalfon, de Jacques Doniol-Valcroze, de Claude Piéplu en héritiers des Amériques, et de Christine Dejoux qui, malgré une filmo débrouillarde (dont l'absolu culte Un Moment d’Égarement), ne s'accroche décidément à nos souvenirs qu'en défunte épouse du Glaude ramenée d'ad-patrès par l'extra-terrestre glougloutant Villeret dans La Soupe aux Choux...). Il y apporte un supplément d'insolite, de poésie fantasque (ah ! la diction de Robert !) indispensables à ce rôle (que des dialogues régulièrement décalés finissent d'asseoir).

Doux immoraliste, chaleureux arnaqueur, truand mélancolique, son quincaillier pris de la fièvre escroquante et, par là même, d'un sursaut de galante jeunesse, se montre un personnage irrésistible au service d'un film au charme fou, à la drôlerie grisante.

C'est bien simple, et excusez du peu !, on croirait par instants à un film d'Yves Robert !,

par Michel Deville.

*****

* merci à Sonic pour ce très bel extrait youtubé !

**exception faite du très très curieux Jour des Rois,

tourné 14 ans plus tard, cette fois-ci dernière contribution officielle.

Porte des Lilas

2011-10-29T10:00:00.007+02:00

id., 1957.

Unique (et pas dans le sens "mémorable" !) incursion de Brassens au cinoche, où sa mélancolie placide n'offre pas "physiquement" de plus-value à son verbe anarchistement fleuri, dans cette énième contribution (ici par le copain Fallet) au réalisme noir à la française (pavés mouillés, pochetron bonne poire, apache bouillonnant et patron de troquet sourcilleux tenant la bride à sa jolie gosse), qui lasse d'abord (la partition de Braseur est balisée, celle de Vidal aussi en plus d'être mal jouée) pour émouvoir enfin (ah, la p'tite Carrel !), malgré le fil blanc dont tout ceci est consciencieusement (et opportunistement ?) cousu*,

par René Clair.

*****
* Clair, loin de sa superbe désormais, verra pourtant

les honneurs l'attendrent au coin de l'Institut et du Collège...

Metal Hurlant

2011-10-28T18:00:00.001+02:00

Heavy Metal, 1981.

Culterie hautement alternative, aussi décousue (malgré la qualité des histoires de Richard Corben ou Berni Wrighton, le twilight-zonesque alibi-lien Loc Nar ne fait pas long feu) qu'addictive, tant par son incorrection politique (mention spéciale au segment So Beautiful and so Dangerous) que pour sa naïveté érotico-héroïco-SF, ses ambitions visuelles (wouah, le NY de Harry Canyon !, le meilleur morceau) et ses diverses audaces formelles ou de tonalité,

par Gerald Potterton.

*****

Le Maître d'Ecole

2011-10-28T08:00:00.004+02:00

id., 1981.

Galop d'essai pour le tandem Berri/Coluche avant le plan Pantin, Le Maître d'Ecole a mal vieilli (ou mettons que nos yeux de 10 ans savaient se satisfaire de bien peu dés lors qu'une vague identification était possible...).

Mol assemblage de séquences entre tendresse artificielle et vérisme maladroit (le casting non professionnel des gamins bredouillants sonne finalement mal), enquillage paresseux de clichés serpentant dans les couloirs de l'EducNat (et tirés, dit-on, des Mémoires d'un Educateur de Jules Celma), lapidairement tricotés avec des stéréotypes déjà usés (le syndicaliste à col roulé acrylique, la dépressive en mal d'exotisme, le vieil inspecteur bouffeur de spagh'), l'ensemble (qui ne tient pas ni debout ni droit une seule minute) se déroule comme une succession de sketches qu'on espérait portés sans peine par la nature coluchienne (pas de bol, plaqué par sa femme, poursuivi par le fisc et pris dans la dope, le Michel qui vient d'abandonner sa campagne électorale est au plus bas !).

A la revoyure, il est évident que Berri a visiblement perdu en acuité et en sagacité pour décrire la société et les mœurs ambiants (elle est déjà loin l'assez savoureuse première manière du bonhomme !), ce qu'il a décidément gagné en homme d'affaire, faisant de Coluche l'acteur le mieux payé de France et se le gardant jalousement pour quatre films !
Seule "grosse idée", la rupture avec la tonalité habituelle du gaillard motard (ptindcanion !), cette dernière ne parvient cependant pas à donner une ossature forte à un film mal foutu (et pas fini: il manque une bobine ou quoi ?!), dispersé dans ses enjeux (multipliant pourtant lui aussi les pistes L'Argent de Poche de Truffaut apparaît plus solide !), décousu et gentiment donneur de leçons complaisantes (la discipline c'est pô bien)...,

par Claude Berri

*****

Persepolis

2011-10-27T14:45:00.004+02:00

id., 2007.

Confirmation inespérée qu'il est possible (donc) de transcender un matériau bédéphile en matière filmique, par le recours au rythme, au mouvement et à deux-trois autres choses dont le cinéma devrait être toujours fait (ce qui est loin d'être le cas), et qu'elle existe donc la putain d'adaptation légitime et vivante (on n'y croyait plus !) de la case et du phylactère dans le cadre et le dialogue,

par Marjane Satrapi
& Vincent Parronaud.

*****

Poulet aux Prunes

2011-10-26T23:00:00.001+02:00

id., 2011.

Améliepoulainerie version Téhéran épuisante par ses chichiteux procédés narratifs, ses trucs (de casting, de montage, de construction, de numéros), ses machins de fantaisie à tous crins, et ses incessantes surenchères plastiques (Kill Bill à côté c'est Mouchette de Bresson) et qui, malgré le régulier émouvant, drôle ou ravissant de certaines séquences et le solide de l'argument principal (un homme décidé à mourir parce qu'il ne peut plus être accompagné par la foi d'un amour perdu mais éternel), ne manque jamais une occasion ni d'ennuyer ni d'agacer,

par Marjane Satrapi

et Vincent Paronnaud.

*****

Condorman

2011-10-26T08:00:00.003+02:00

id., 1981.

Gentiment parodique mais paradoxalement iconoclaste (l’argument comics du script est assez audacieux et amusant (même si simpliste)), cette Disneyerie (en pleine et fructueuse phase non-animée (Black Hole, Tron, etc.)) croquant avec fantaisie le 007 late 70’s, s’avère assez vite savoir faire preuve d’une vraie frivolité Moore-like, poussant par ailleurs à l’extrême les ingrédients Flemingo-Broccoliques (voyagite & gadgetades aiguës, vilain - élégamment charismatique - à fort accent et à lieutenant cruellement magnétique (ici JP Kalfon, salopard de borgne à bille de metal), guerre froide latente, jolies pépées (creusant décidément le sillon ironique, Barbara Carrera tournera Never Say Never Again quelques mois plus tard), cascades en bagnoles de luxe et transformisme hystérique, …).

Le charme opère (étonnamment ?), emprunt d’une certaine désuétude, et parvient à tenir la dragée haute aux 007 officiels, sacrifiant pourtant toute la dimension « classe flegmatique» de l’agent au permis de tuer, au profit d’un amateurisme finalement payant puisque plus chaleureux (enfantin ?) et économe en punchlines. Une sorte de James Bond revisité Coccinelle à Monte-Carlo, en somme.
A noter, pour compenser un faiblard Michael Crawford (ze Condorman), l’indéfectible (plus Disneyen tu meurs !) James Hampton, et un parfait Oliver Reed. Comme toujours...,

par Charles Jarrott.

*****

La Situation Est Grave... Mais Pas Désespérée !

2011-10-23T20:00:00.009+02:00

id., 1976.

Dialogué par feu Amadou (le sparring partner de Jacques Mailhot, le père "spirituel" de Jean Roucas (avec qui il crée Le Bébête Show !) et un retraité de plus à faire dans le sarcasme èrté-hèleux aux Grosses Têtes de Bouvard), ce laborieux vaudeville tout en portes claquées et évanouissements à répétition - et au titre post-Audiard so 70's - a tout, malgré de vaines tentatives d'aération (d'inaugurales et superflues remyjulienneries, passablement gratuites et hors sujet), du théâtre filmé (Besnard n'est pas Molinaro !) et du bien boulevardier de droite encore ! Restent quelques lignes faisant mouche, celles convoquant l'absurde le plus délibéré plutôt que la vanne pamphlétaire chargeant stérilement les politiques ou la Culture d’État, au service desquelles Daniel Prévost ne démérite guère,

par Jacques Besnard.

*****

Snobs

2011-10-22T09:56:00.000+02:00

Imposant la patte mockyenne, cette comédie absurde et saignante, grotesque et politique, irrévérencieuse et iconoclaste, sorte encore de vacharde Chabrolerie burlesque menée jusqu’aux baroques rives du ridicule dont le JP a très vite eu le secret, ce titre de 62 à la trame et à la plastique (un N&B de belle tenue !) stupéfiement proto-Tontons Flingueurs, impose sans conteste le style inimi(-table ?)té du gusse en colère, tant dans la forme que le fond.
Thèmes casses-gueules (pédophilie larvée, dézinguage forcené des institutions (armée, église, politique, scoutisme, entreprise, paysans, bourgeoisie, commerçants, presse, famille,…), casting insensé (festival de trognes en sueurs, de gueules tordues et de caractères surréalistes), trame parabolique minimale étirée jusqu’à la rupture, anti-naturalisme aux triviaux confins d’un psychotronique (qui s’ignore ?), le tout oscillant entre un amateurisme funambule (exacerbé par des comédiens pas toujours au point) et un paradoxal soin certain (une photo et une direction artistique très solides). Singeant ici, tel un La Bruyère sanguin, l’arrivisme et la prétention de Province (quatre sous-directeurs brigue le poste d’un PDG de laiterie et ourdissent dans le canton pour se faire), bien plus que l’authentique snoberie annoncée ?!, avec un mauvais goût un temps réjouissant (le titre faiblit soudain très fort à mi-durée), une audace longtemps renouvelée (de nombreuses séquences sont véritablement gonflées ou courageusement décalées) qui fit naître la réputation scandaleuse (le film eut à l’époque une carrière particulièrement chaotique, toutes les ligues au cul) du cigareux bouffeur de curé, du barré croqueur de Société.
Jean-Pierre Mocky (1962)

Le Professionnel

2011-10-21T13:30:00.002+02:00

id., 1981.

Premier des gros succès Bebelesques (ceusses à plus de 5 millions d'entrées, mais ne nous illusionnons pas, le père JP pourtant roi des 70s-80s, ne placera jamais (malgré l'impériale impression) aucun titre parmi les vrais best sellers que sont les de Funès, les Disney ou certains Pierre Richard (La Chèvre distancera d'ailleurs ce Professionnel de près de 2 millions d'entrées !*). Les cartons du totocbadaboum sont seulement annuels (toujours placé dans les 12 premiers films de la saison) ou ponctuels (le présent film jouit du meilleur « démarrage », écrasant ainsi L'Aile ou la Cuisse)) et troisième collabo avec Lautner et Audiard, Le Professionnel rompt le ton des précédentes aventures (Guignolo et Flic ou Voyou), se durcit autant qu'il se noircit.

Charge contre la fort discutable souplesse et opacité étatique à l'égard des dictatures qu'on condamne solennellement à midi et dont on peut finalement tirer parti au goûter, le débat est vite ramené à hauteur d'homme (et quel homme ce Joss Beaumont !) et à micro-duels souvent décevants (la mise en place du salopard de Rozen est sacrifiée hâtivement, après une série de cascades aussi peu réalistes qu'authentiquement stupidement forcées, par une passe d'armes au parodique malvenu (Leone bien sûr) pour reprendre in fine, et de manière bien trop démonstrative, les rênes du gros sujet politique, cette production menée dans une sérénité discutable (Audiard, qui ne se foule pas bien et se laisse même aller à quelques vannes au racisme larvé assez pénible** (si on passera, avec force soupirs, sur les négros à répétition, l'estocade est donnée lorsque le président africain essaye de rouler Bebel qui, le coinçant, lui lâche un définitif: même malin comme un singe ça veut plus rien dire !) est en outre peu satisfait du réaménagement qu'on fait du scénario qu'il a tiré du Mort d’une bête à la peau fragile de l'anglais Patrick Alexander (il est contre (en vain !) la minute finale qu'on (Lautner et JP surtout !) oppose à la sienne) et menace de se faire retirer de l'affiche) souffre de mille maux dont la musique n'est pas le moindre. Lautner avait demandé une BO à Morricone sur la base de celle qu'il avait pondu en 71 pour le film Maddalena (Jerzy Kawalerowicz) avec laquelle il réalise son premier montage. Mais toutes les propositions faites à Georges par l'Ennio seront repoussées au point que Lautner se décide à conserver carrément le thème de Maddalena, Chi Mai, dans son propre film. La scie à staccato sera dés lors employée n'importe comment et sans arrêt (au mépris de la moindre ambiance d'ailleurs), Bebel ne pouvant faire trois pas sans que l'orchestre ne se lance dans son horripilante rengaine.
Il sera en revanche pour le moins troublant de distinguer quelques minutes (le prologue africain « torturant » mais aussi une saillie poussive de l'instructeur Picard en pur proto-Colonel Trautman) préfigurant spectaculairement le Rambo de Kotcheff à venir un an plus tard (mais le roman de David Morrell date lui de 72 !) et le soin tout latin-giallesque accordé à la plupart des scènes d'intérieur.
Pour le reste, entre terrain balisé (le casting bebelesque en diable, avec les indéboulonnables Michel Beaune et Pierre Vernier et les têtes à baffes (d'ailleurs baffées) de service (BP Donnadieu), les répliques de gros malin roublard cousues main) et mauvaise humeur un tantinet réac (Deray semble plus doué à gérer ces ambiances), peu à se mettre sous la dent de vraiment savoureux.,

par George Lautner.

*****

* tout en faisant tout d'même plus du double du Dedel de l'année,
Pour la Peau d'un Flic.

** elles seraient, « à la décharge » du dialoguiste,
pour la plupart présent dans le roman originel...

The Box

2011-10-19T12:59:00.005+02:00

id., 2009.

Ou comment le talent d'un réalisateur (le film est plastiquement remarquable, équilibre longtemps les climats (paranoïaques, mélancoliques)) supplante allègrement le fumeux d'un scénariste (un Matheson pris d'une inhabituelle ambition cosmique absconse et passablement rébarbative) et sauve les meubles aussi longtemps qui lui est permis, avant que la chose n'aille finalement, regrettablement jusqu'à faire passer M. Night Shyamalan pour Todd Philipps,

par Richard Kelly.

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L'Au-Delà

2011-10-14T07:34:00.004+02:00

L'Aldila, 1981.

Sommet plastique de la manière d'opéra macabre du fougueux "opportuniste" (qui après avoir collé à la roue de Romero suçote un peu celle de l'infernoesque Argento), occasion d'enchaîner, au sein d'un fumeux embrouillamini catholico-hauntedhousien, des visions toutes plus salingues et grotesques les unes que les autres, et d'offrir au public hagard le faîte tâchiste d'une carrière pour le moins délicate à circonscrire (mais régulièrement frappée d'un déterminisme et d'un amour du genre qui forcent le respect (à défaut de permettre de franches réussites)),

par Lucio Fulci.

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Rammbock (Siege of the Dead)

2011-10-10T10:00:00.001+02:00

Rammbock, 2011.

Malgré ses primes (et vaines) allures de Fenêtre sur Cour avec Zombies ou de REC berlinois, une petite chose diablement personnelle (et accessoirement efficace), peu ramenarde et plutôt réaliste, qui offre au genre (pourtant exsangue) du zombie-flick, une bienheureuse dose d'humble vérisme, d'ironie (débarrassée miraculeusement de tout second degré) et d'inédit autant que roboratif "non-glamourous romantism",

par Marvin Kren & Benjamin Hessler.

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Au-Delà du Réel

2011-09-30T07:35:00.004+02:00

Altered States, 1981.

Tripesque, mystique, hallucinatoire, un cauchemar scientifique de la trempe (thématique et qualitative) d'un Brainstorm ou de La Mouche, qui, par son intensité inouïe et sa bluffante conviction, dépasse le cadre d'un baroque potentiellement ridicule, d'un stérile sabir neuro-génético-machin, pour verser dans une production grisante, mêlant bizarrement les pourtant éloignés Loup-Garou de Londres (pour l'animalité retrouvée) et L'Exorciste 2, et atteindre un niveau pas si souvent égalé de (terrifiant) film d'horreur total,

par Ken Russell.

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Les Producteurs

2011-09-29T17:40:00.002+02:00

Sanglée dans un louable, un audacieux mauvais goût (gérontophilie sarcastique (l’outré Mostel vaut là le too-much Guiness de Ladykillers), reicheries bordelines et boulevarderies follasses (Voutsinas, parfait(e ?) dans l’emploi !)), et loin des pastiches futurs (et inégaux) de l’autre bouffon jewish « prêt à tout pour un gag », cette production, par trop mécanique peut-être (surtout dans son dernier quart, le plus faible), ne manque toutefois pas d’entrain, pour peu qu’hystérie, caricatures hénaurmes, absurde accompli, acharnement vaudevillesque… et goût douteux donc ne vous soient pas étrangers.
On pense bien sûr à Lubitsch (dés qu’on a des croix gammées dans une comédie anglo-saxonne on nous le sort, l’Ernst !) en moins fin et charmant, mais aussi aux Monty Pythons à venir (surtout le spectacle par lui-même), ainsi qu’à tout ce courant early-70’s de musicals trash-freakos (Phantom of the Paradise, Rocky Horror Picture Show) qui pourraient toutefois nier en bloc la filiation (d’t’façons, DePalma nie toujours les filiations qu’on lui prête…).
Le casting est efficace (Wilder en tête, comme presque toujours), et plusieurs séquences ou caractères font facilement mouche (l’audition des furhers, la secrétaire pop-swedish, l’ouverture de Springtime for Hitler,…) sans avoir trop vieilli aujourd’hui.
Pas assez en tous cas pour mériter un remake !

Mel Brooks (1968)

Une Vie avec Oradour

2011-09-21T16:27:00.006+02:00

id., 2011.

Documentaire sage et redondant, sans grand point de vue, équilibre ni posture franche (pris par son grand sujet, le film ne s'aventure guère et ne sort jamais des rails institutionnels), qui se contente de faire résonner stérilement de vieilles rengaines (fussent-elles historiquement tragiques) et de se montrer décidément trop prisonnier de l'hommage éternel et du respect par trop inhibiteur,

par Patrick Séraudie.

*****

Le Mans

2011-09-21T11:37:00.003+02:00

Combinant l'observation documentaire et pédagogique (tournage immersif lors des authentiques 24H 1970) et la mythologie symbolique et silencieuse (bien que le film soit une intéressante expérience sonore) du ouéstèrne le plus magnétique (Macouine, qui ne dit pas une broque, aborde la course comme une intense revanche de lonesome coilleboille), cette production jouant un temps de l'économie hypnotique autant que de l'abrutissement théatralisé (la radicalité de la course frisant le Cirque Romain au fond et la mise en forme convoquant parfois des slow-motions au lyrisme très peckinpéen), donne l'impression d'un caprice de star, d'un joujou pétaradant pour le coolissime blondinet, plus sexy que jamais avec sa petite combi Gulf-Firestone et sa montre Monaco Tag Heuer: l'occasion de s'adonner en scope à sa passion vroum-vroum et l'entretien à bon compte (intrigue triangulaire minimale, proche de l'essentiel tragique) de sa chaude minéralité d'icône au sommet de son art.
Et si on s'ennuie parfois un brin (certains embrayages du récit patinent), c'est donc avec classe. Et petit air entendu (do u want another martini ?)...
Lee H. Katzin (1971)

Charlie et la Chocolaterie

2011-09-14T23:47:00.002+02:00

Difficile à ce jour d'entamer une lapidaire (car c'est le scandaleux style d'ici !) critique du film ci-dessus sans être contaminé par la vision Burtonniene d'il y a peu. Notons toutefois que les lieux (la fameuse usine cacaotée) sont très proches et sans doute, en cela, fort fidèles au texte de Dahl. Tout comme la direction artistique dans ce qu'elle a de plus globale (les budgets et les époques n'étant cependant pas les mêmes).

Le principal point de désaccord se loge dans l'appréhension du barré Willy Wonka.
Si chez Tim il est un freak mi-lunaire, mi-secoué, mi-gothique (ce qui fait trois moitiés mais qui s'en offusquerait dans les arabesques du gars Burton ?), à la fois cabot et effacé (Depp dans ce qu'il sait si(-niquement ?) bien faire), on le retrouve ici sous les traits d'un dépressif rêveur, ouvertement schizophrène et surranné (Gene Wilder, dont on ne saurait se lasser). Hélas cette amorce de ton ne creuse pas plus profond et c'est bien le reproche général que l'on peut faire à la production. Tel un glaçage recouvrant une friandise plus "banale", la radicalité éffleurée parfois (le tunnel à hallus et ses horribles images), le baroque mollement visité, l'audace de casting (Charlie et sa famille ne sont pas des "beaux maquillés en sales" mais d'authentiques pous !), auraient mérité d'être sollicités davantage et faire ainsi s'élever l'entreprise plus nettement au dessus de sa vague ChittyChittyBangBanguerrie (impossible de ne pas penser à la fabrique de bonbons du film de Ken Hugues, là ecore inspirée du successfull Roald !), au lieu de le cantonner à un joli imagier, dans lequel sont certes négligées les tentations réacs et punitives du texte original, mais à la fantaisie un peu trop bridée.
Heureusement, demeurent de fugaces visions (la voiture à sodas, le studio de WonkaVision) et la composition hypnotique du grand Gene,

par Mel Stuart.

*****

Pour la Peau d'un Flic

2011-09-09T20:02:00.002+02:00

id., 1981.

De c'te Peau-là, nous ne nous souvenions que des boubouboubouboubouboubous d'Oscar Benton et, accessoirement, que c'était le prime Dedel jamais mieux servi que par lui-même (sa first réal').
Puis nous en vînmes à lire le Que d'os ! originel du gars Manchette et, recompulsant ses chroniques ciné chez Hara-Kiri (compilées dans l'indispensable Les Yeux de la Momie avec lequel je ne suis pourtant que rarement d'accord !?), nous nous interrogeâmes bientôt (comme nous l'avions déjà fait avec le supérieur Trois Hommes à Abattre) sur l'avis du JP quant à l'Alain (qu'il n'estimait guère, on s'en doute bien, allez !).

Or, si Manchette s'abstient et fait, grand seigneur, l'impasse sur la critique (ses romans seront globalement tous adaptés par des metteurs-en-scène qu'il ne porte que tièdement dans son cœur), nous n'en ferons pas, nous, l'économie.

Évidemment l'essence de la prose et le ton de l'œuvre sont ici contrariées, voire fichtrement trahies (la dimension masochiste du volume n'apparaît que tardivement, même si spectaculaire, après 80 bonnes minutes d'un héroïsme enfouraillé assez pénible (le prégénérique est d'une rare et symbolique bêtise !) et le scénario ne retient du texte qu'une myope succession factuelle fournissant autant de « scènes » sans guère de mood (n'en conservant que l'alambiqué) ni d'ambiance.

Le casting n'est pas non plus du meilleur tonneau (Auclair est un peu juste (comme souvent, n'en déplaise à m'sieur Bohringer !) et Parillaud proprement lamentable) si une poignée de trop rares (et trop peu sollicités ici) seconds couteaux (Ceccaldi, Darras) ne relevait pas un peu le charme (si tant est !).
Toutefois l'ensemble, faiblard vous l'aurez compris -sinon le saviez déjà !-, inaugurant la série des Delon/Flic 80's, en constitue, en toute relativité et par ailleurs, le moins baveux.

Autant dire qu'on a échappé au pire... Parole ?,

par Alain Delon.

*****

Klute

2011-09-07T18:50:00.004+02:00

Persistence Disneyenne: Three Echoes from Dumbo

2011-09-05T09:00:00.000+02:00

Dumbo, 1941

The Aristocats, 1970

Dumbo, 1941.

The Jungle Book, 1967.

Dumbo, 1941.

The Jungle Book, 1967.

Los Angeles Story

2011-09-04T18:58:00.000+02:00

Piège de Cristal

2011-08-30T10:00:00.005+02:00

Die Hard, 1988.

Rien moins que le plus grand film d'action (pure) de tous les temps (devant l'hypertrophié Speed ?). Malin, iconoclaste (à l'époque), virtuose, efficace, solide, charismatique (Alan Rickman, what a villain !), transgenre (sans jamais être ramenard ni roublard), gonflé (le willisien anti-héros John McLane était alors une sacrée gageure, franchement galvaudé depuis), impressionnant, ultra-cinégénique, intemporel et savamment scénarisé (un petit modèle de manipulation des codes et clichés),... un bonheur explosif en somme,

par John McTiernan

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Point Break

2011-08-28T22:46:00.000+02:00

Réputée pour livrer des « films de mecs » atypiques et plus tordus qu’à l’accoutumée (on préférera son Strange Days), la môme Bigelow offre avec ce Point Break un objet plus pervers encore : sous ses allures de prod pour minettes le film déroule un authentique (mais sous-terrain) arsenal homo-erotisant (l’alibi de l’idylle avec la petite brunette (un rien goudou-like d’ailleurs) ne tient pas debout sur sa planche une seule minute…).
Cette vérité donnée que reste-t-il ? Un machin qui s’engage comme un buddy movie à la Joel Silver (mais c’est Cameron qui produit ici) - dans lequel KianouRive, insipide et gauche, n’est jamais crédible- , se poursuit un temps comme un Top Gun à vaguelettes (genre concours de quéquettes fartées) pour verser dans une pub Hollywood Chewing-Gum (ou Rip Curl) tout au ralenti et finalement revenir à nos moutons (les bouclettes de Swayze ?) : ce grand duel fasciné et humide (le film est un perpétuel concours de t-shirts mouillés (avec ou sans t-shirts !) pour bodybuildés new-ageux) entre le blanc-bec candide du FBI et le magicien des vagues, bandit sexy qui l’amène à faire ce qu’il croyait ne jamais vouloir faire (oh ! oh ! mais dites moi !). De rares instants de grâce fleurissent ici et là (les casses des ex-présidents, très Avaryesques), la camera étant assez souvent virtuose (la poursuite à pied dans le neigborhood est presque devenue classique) mais caricatures et faiblesses de scenar (le déroulement est cousu de fil blanc), des tentatives malines (la perquisition-feu d’artifice chez le gang infiltré par les stups) usent le trip presque aussi vite que la gratuité générale de bien des séquences et qu’une esthétique (et une philosophie) proprement laide (late 80’s), prompte à fédérer les esprits mous (cf . Brice de Nice) et les minettes en chaleur, ici bien bernées toutefois.
Kathryn Bigelow (1991)

Winchester 73

2011-08-28T13:20:00.002+02:00

id., 1950.

Epatant florilège des mythologies et fétichismes de l'Ouest, un film dont un Goscinny a du voir et revoir chacune des séquences pour s'imprégner tant de coilleboillitude avant de tracer les meilleures lignes de son Lucky Luke: tous les motifs (ou presque) semblent ici rassemblés. La complexité de chacun des personnages (personne n'y est franchement propre ou naïvement univoque), patte philosophique du réalisateur, ne cesse d'être en outre relayée par un filmage rien moins que maousse et un rythme d'une rare intelligence hollywoodienne,

par Anthony Mann.

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La Flèche Brisée

2011-08-27T10:48:00.003+02:00

Broken Arrow, 1950.

Fameux pour son statut de premier western pro-indien (un slogan un peu fourre-tout moins subtil que ce qu'est le film en réalité, plus progressiste et humaniste (et didactique ?) que courtement prosélyte), une gageure à plus d'un titre (premier rôle du dadais lubitscho-capraesque et néanmoins archi-conservateur Stewart en coilleboille*, collaboration avec des plumes cocos bientôt maccarthysées jusqu'au cheveux,...), occasion en outre - et ce n'est pas négligeable - de bien beaux morceaux de cinoche (discrets mais d'une force insoupçonnée) et de mythes bigrement établis,

par Delmer Daves.

*****

* le film, tourné avant Winchester 73, sortira pourtant (un peu couardement) après le Mann...